臺中展覽

✧✧成為藝術家？我們的藝術生涯探索之旅✧✧ 這是一場關於「成為藝術家」的探索之旅。 策展團隊以策展作為實踐的方法，邀請四位畢業於東海大學美術學系、正處於生涯發展初期的年輕創作者，展開了一段關於「成為藝術家？」的提問與探索。 在旅程的前半段，策展團隊透過深度對話與研究，了解四位創作者在藝術生涯發展上的處境、疑問與需求；而進入旅程的後半段，策展團隊則進一步媒合四位創作者與四位更為成熟的藝術家進行對話，透過跨世代的交流，回應他們在「成為藝術家？」路上的好奇與困惑。 期待這場由四組藝術家的「對話」與「作品」交織而成的展覽，為觀眾提供一個具體而開放的藝術生涯視角，在觀看與思考之中，看見藝術生涯的多種可能，並從中想像與尋找屬於自己的道路。 ✧✧策展團隊✧✧ 策展人｜吳梓和 策展助理｜蔡沅蓁 ✧✧參展藝術家✧✧ 第 一 組｜顏子耘 × 謝鴻均 第 二 組｜蕭灑 × 鄒享想 第 三 組｜賴詩芸 × 王冠蓁 第 四 組｜王奕昕 × 陳慶銘 特別邀請｜尹子潔 ✧✧展覽資訊✧✧ 展覽期間｜2026/04/22-2026/05/15 展覽地點｜東海大學藝術中心（人文大樓一樓） 展覽開幕｜2026/04/24（五）下午14:30 主辦單位｜東海大學美術系所 承辦單位｜東海大學藝術中心 展覽設計｜蔣婷雯 燈光設計｜絕對光度LighTemp（阿嵐） 展覽協力｜今逅藝術有限公司 #聯展 #多元媒材

這是一場由童心構築的藝術航行，守護夢想的精靈們，以多元媒材在現實與夢境交界，拓墾出生機盎然的藝術島嶼。展覽依成長分三座島嶼：「原生之島」由純粹觀察出發，展現生命的活力溫度；「穿越之島」穿梭記憶與想像，開啟未知之門；「奇幻之島」則跨越具象，步入超現實的想像國度。畢業之際，邀您見證無限可能的藝術盛宴。 展出作品包含平面繪畫、雕塑及裝置藝術。

在視覺的慣性中，我們習慣聚焦於主體，而將周遭視為其它，背景被視為理所當然的虛無。原本為了成就主體而存在的背景，是否才是支撐真實的骨架？ 這項提問試著在圖像的縫隙中，探尋背後遺漏的觀點。也或許像人與人溝通的過程中，總隱藏著背後的用意，最終卻獲得無心插柳的另一種反應。究竟如何才能精準？還是根本對不準？亦或是一種模糊的直覺。 創作過程中不斷堆疊著精神與物質的關係，製造出圖像，建構的虛構故事，那麼背景之後，往往藏著那些未經修飾、更為純粹的真實。當背景不再只是背景，甚至被刻意掩蓋時，它便成為了一種敘事。我們在這裡試圖引出另一種觀看角度。 #雙個展 #玻璃工藝 #版畫

大河美術將推出群展《Hundred Quilts: No Knots Without Weight》，邀請六位創作實踐橫跨紙材、纖維、繪畫、雕塑與裝置的藝術家，包含日裔加拿大藝術家Alexa Kumiko Hatanaka、墨西哥藝術家Allan Villavicencio、澳籍臺裔Angie Pai、加拿大籍臺裔Dennis Lin、旅居英國的中國藝術家Amy Hui Li，以及韓國藝術家 Lili Lee。本展以「百衲被」（patchwork quilt）為核心隱喻，從其文化生成、物質結構與身體勞動出發，追索纖維如何在匱乏、斷裂、照護與遷移之中，逐步構築並得以延續生命的承重系統，於當代重新獲得感知與重量。 「Hundred Quilts」並非單指拼布的形式，而是指向一種由歷史反覆縫合而成的結構性存在。從北方漢人文化的百家被、佛教僧侶的袈裟（Kasaya）、日本的襤褸（Boro）與刺子繡（Sashiko），到澳洲殖民歷史中的 Rajah Quilt等，纖維始終作為記憶、身分與勞動痕跡的物質容器，既提供庇護與休憩，亦由不完整的殘片構成，每塊布料都帶著時間的沉積與身體的痕跡。 在這個科技加速，差異不斷增生的時代，展覽不強調「融合」，而聚焦於百衲被的拼組、層疊、重壓與反覆之身體性的意象，讓遷移、創傷、照護與記憶以可被觸及的方式，囤積為一種物質結構。纖維在此如同血管或神經系統，於視覺與空間之中，描繪生命與歷史流動的路徑——作品象徵著極具張力與重量的「布」，縫入一張未封邊且仍然持續生成的被褥之中。副標「No Knots Without Weight」意即「無重不成痂」，沒有重量就不會有縫補的發生，為本次的關鍵命題。「結」在此不再是技法展示，而是成為記錄耗損，也保留情感的韌性，雖破碎卻也讓歷史與身體之修復得以被看見的形式。 Alexa Kumiko Hatanaka 以手工造紙、天然染料與縫製紙雕塑，將神經多樣性的身體感知編進作品，纖維儼然成為情緒與文化流動的載體。Allan Villavicencio形塑「殘餘地景」（residual landscapes），試圖重新理解空間與存在的契機。Angie Pai 從神經生物學與創傷知情出發，將「調節」理解為關係的交織過程。Dennis Lin 透過修復與照護保存思維，在多元媒材中實踐身分與文化的守護，對抗被抹除的命運。Amy Hui Li 翻轉歐根紗，向內抵達心的場域，在撕裂與修補之間往復，使脆弱成為韌性的生成條件。Lili Lee 則引導觀者向心所停留的情感座標前行，感知內在凝結的時刻。 《Hundred Quilts: No Knots Without Weight》柔軟又充滿承載力，開放中蘊含抵抗抹除的意志，是一種以縫合對抗失語並承接重量的實踐。大河美術誠摯邀請您走入現場，辨識身負的一切，在成為絲絲縷縷的同時，一同反思與我們密不可分的結與重。 RIVER ART GALLERY will present the group exhibition “Hundred Quilts: No Knots Without Weight”, featuring six artists whose practices span paper, fabric, painting, sculpture, and installation. The exhibition brings together Japanese-Canadian artist Alexa Kumiko Hatanaka; Mexican artist Allan Villavicencio; Taiwanese-Australian artist Angie Pai; Taiwanese-Canadian artist Dennis Lin; Chinese artist Amy Hui Li, and Korean artist Lili Lee. Taking the “patchwork quilt” as its central metaphor, the exhibition examines its cultural formation, material structure, and corporeal labor embedded within. It traces how textile and fiber practices, shaped by scarcity, rupture, care, and migration, gradually form a structure capable of sustaining life, through which fiber regains a renewed perceptual and symbolic weight in the present. “Hundred Quilts” refers not only to patchwork as a form, but also to a structural condition repeatedly stitched together through history. From the Hundred-Family Quilt (baijia quilt) in Northern Chinese culture, to Buddhist monastic robes (kasaya), Japanese boro textiles and sashiko stitching traditions, and the Rajah Quilt embedded in Australia’s colonial history, fiber has long functioned as a material vessel of memory, identity, and the traces of labor. Providing shelter and protection, these textile structures are assembled from fragments—each individual piece bearing the sediment of time and the imprint of the body. In an era marked by accelerating technology and the continual proliferation of differences, the exhibition does not emphasize “fusion,” but instead focuses on the bodily imagery of patching, layering, compression, and repetition inherent in the patchwork quilt. Through these processes, migration, trauma, care, and memory accumulate in a tangible way, forming a material structure. Here, fiber operates as a vascular or nervous system, tracing the pathways through which life and history flow across visual and spatial fields. The works evoke pieces of cloth charged with tension and weight, stitched into a quilt that remains unfinished, still unfolding. The subtitle “No Knots Without Weight” suggests that without weight there can be no knot, no act of mending. It articulates the central proposition of the exhibition. The “knot” is no longer a display of technique, but a record of wear and loss, while also preserving the resilience of emotion. Fragmented as it may be, it becomes a visible form through which the repair of history and the body can be seen. Alexa Kumiko Hatanaka’s practice builds upon papermaking, natural dyes, and hand-sewn paper sculptures, weaving neurodivergent bodily perceptions into her work, where fiber becomes a carrier of emotion and cultural circulation.

2026小願夏藝趣「藝中港美」聯展 嗨運動陶展： 陶藝家蔡瑜指導中港高中國中部第十八、十九屆美術班陶塑，並由協同教師陳維真、王秋燕、林圭堂引導，運用陶土創作心目中最棒的「嗨運動」。 作品靈感來自賽場氛圍、運動時的表現，或頒獎瞬間的激動情感。邀你一起站上最夢想的運動舞臺，感受創作的熱情與活力。 千度迷璃展： 工藝家張雪鳳指導中港高中國中部第十九屆美術班玻璃創作，協同教師陳維真、洪紫玲協助。 透過小故事與學生互動，認識玻璃工藝，學習基礎直線切割、剪裁與燒製技巧，並利用回收玻璃瓶進行創作。 學生完成了琉璃珠掛繩、我的創意相框及再生玻璃夜燈等作品。 藍染眷花展： 工藝家郭凱遠指導中港高中國中部二年一班行瑚染，並由清水生活美學協會志工及協同教師林惠文、葉宣貝協助， 以天然染色「型糊藍染」為主題。學生雕刻「眷花」型版、調製糊料、刮上布料、染色，最後洗去糊料，完成藍染棉布方巾，體驗完整藍染實作流程。 中港美術展： 集結中港高中國中部美術班參加114全國美展臺中初賽作品，包括西畫、漫畫、版畫、書法與平面設計， 由術科老師王秋燕、陳維真、林圭堂、卓振宇指導。學生深入理解競賽規則與評審標準，提升藝術涵養、情感表達與技術實力，創作出具有個人風格的作品。 展期：115/3/14-5/17，09:30-17:30(週一休園) 地點：清水眷村文化園區西14號房舍-小願藝術館

對心中尚未解開的一切保持耐心，試著去愛那些問題本身。」 「之間」是每個人都會經歷的—— 生活裡的停頓與前進，思緒的漂浮與落定， 快樂與迷茫的交錯。 畫室裡的光線、紙上的顏料、手指碰到水彩的瞬間， 都是我在「之間」停留的片刻。 期待在這些作品裡， 我們都能稍作停頓，感受自己的「之間」， 在未定義裡， 依然向前，依然開放。

臺中市花千樹書畫學會以提升全民文化藝術涵養、培育藝術人才為宗旨。由臺中市當代藝術家沈建龍老師指導，會員平時專注於精緻工筆畫與水墨畫之研習，並定期舉辦交流活動，邀請國內各大學藝術相關科系教授蒞臨講授，如臺灣藝術大學副校長林進忠、臺灣師範大學美術系主任莊連東，以及篆刻書法家古員齊老師等，藉以精進專業知識與創作技法。 本會創作承襲唐宋繪畫技法之精髓，融合現代構圖與多元創作形式，呈現兼具傳統底蘊與當代表現的藝術風貌，風格清新而獨具特色。 工筆繪畫為一門極具特色之藝術形式，其精描細寫、線條優雅，在層層暈染與設色中營造出細膩豐富的立體感與空間層次。作品透過多樣色調與構圖，展現自然生趣與生命律動，每幅作品皆蘊含創作者巧思，於傳統與創新之間取得平衡，呈現多元而富當代感的藝術語彙。 本次展覽以「以畫會友」為理念，期盼透過作品與各界藝文同好交流切磋，讓觀者在欣賞之餘，能感受作品所傳遞的美學意境與情感共鳴，體驗獨特而深刻的藝術魅力。

本次展覽是以釉彩燒的變化來呈現創作者對釉色的掌控、理解、深思、再創新的新領域。 釉彩燒：是1250。c一次燒成的手法，用釉與釉、色彩與色彩的重疊變化，來創新出肌理的質感。這些是因為我發現釉內的元素是由千千萬萬個微結晶來組成的，在不斷的研究和實驗中、創新出新的手法。將陶藝作品中展現出多重彩的釉色系統。本次展覽作品，有窯變寶石藍、彩繪的釉彩燒、多重彩釉色和多彩橘皮釉等等系列作品。再配上傳統器型或現代造型、就是一條全新的陶藝路線。 邀請您前來細細品味與感受釉彩燒的繽紛變化。

《在牆體之前，在時間之中》為義大利藝術家 Oscar Piattella 的當期展覽， 展出其以結構、界線與層次為核心的抽象作品， 作品不再現景觀，而是透過材料與表層，回應時間、歷史與精神性如何在物質中累積。

「La materia mette in movimento i sogni; la forma si imprime nella memoria. La pittura si realizza tra la memoria e il sogno.」－O.P.「物啟夢幻，形刻於心。畫作之魂，存於憶夢交織處。」 奧斯卡・皮亞德拉的創作將牆體視為封存世紀風景的容器，隨著記憶交織，觀看得以與歷史與存在展開對話。《在牆體之前，在時間之中》呈現他對牆面與時間痕跡的深度探索。 置於義大利戰後抽象藝術的核心脈絡，皮亞德拉的作品取材於城市與宗教建築歷經世紀的牆面。這些牆體承受風化、植物生長，保留了人類鑿刻、修補與生活的片段，其粗糙與斑駁的表面成為他探索色彩、材質與精神的起點。 除了繪畫實踐，他亦以詩作與哲學呼應創作：「談生命，不在於知道多，而在於透徹所知。生命不是他方，它須被尋找，在此被理解。經驗不構成生命——除非你懂它。」在這樣的理解中，牆體既被觀看，也回望觀看者，成為歷史與當下的交會點。 創作早期，皮亞德拉以碎布層層堆疊，形塑可閱讀的牆面結構。色彩——尤其是藍色，隨材質不同創造密度、深淺與節奏的差異。後來創作深化，他開始運用礦石、沙、貝殼、葉片，及金銀箔等自然媒材，使畫面如地層般展開，光線在表面緩慢移動，顯露時間的肌理。這一階段的作品常以「萌生」(Gemmazione) 為題，指向物質內部的生成力量；正如達文西所言，斑痕非混亂，而是想像力的起點。平凡的裂縫與痕跡成為孕育色彩的礦脈，在精神上熠熠生輝，如寶石般珍貴。 皮亞德拉的作品長期進入教堂與公共建築，與光線、建築結構、時間推移共生，隨季節更迭持續存在於生活中。《在牆體之前，在時間之中》具象了時間的厚度與存在的重量——那些在日常中被忽略、卻永遠在場的印記。 #個展 #複合媒材