臺北展覽

文／陳芷若 人們在每日都會有很多個凝視的瞬間，千千萬萬，不同時空，各種狀態，同一個瞬間，在不同心境下感受會是截然不同，人的意識是很重要的，自己只要轉念，日常的景色也都會有不同的意義，感恩、珍惜每一個相處的當下。 作品探討東方媒材所蘊含的文化背景，和當代社會現象之間的對話。思索如何打破水墨僵固的樣貌，走出限制，與當代展開對話，在思考水墨可有怎樣新的視覺語言時，陳芷若先從材料開始著手。生活經驗的反芻中，她將古代與現今生活交互對照，從中尋找出對應之處，以「紙本」串聯起水墨與現代生活的連結，嘗試開闢出一條嶄新的道路。 半透明的水墨紙具有透光性，質感溫潤，刻意挑選很薄的紙，透出下層的印刷品。厚薄不一的紙張，經由多層次的疊合、裱貼，指涉時間與空間。對應現代人生活中，每日被大量的資訊轟炸，被各種繁瑣的事項，切割成零散的碎片，層層疊疊中，這些碎片象徵著現代社會中資訊快速更替，人們被片面、破碎的訊息遮蓋，將生活經驗轉換為視覺作品，呈現出碎片化的狀態。

「彩虹的骨頭」是一個看似矛盾的意象：彩虹象徵短暫而流動的感知，而骨頭則意味著結構與存在的痕跡。如同光在消散之後，仍留下視覺的反影。對我而言，它就像是想像在時間的迷宮中留下的線索。 ——許旆誠 許旆誠，一個深愛著文學的繪者，年少時總愛在孤獨中像個局外人，讀著他所生存的世界。歷經人生階段的改變，他隨著兒女的視角，再次從頭接受這世界的熙熙攘攘、吵吵鬧鬧，走入那非得柴米油鹽的生命歷程。然而在接送孩子的空隙中，腦中不時浮現的是無根的花、是園中翻飛的蝶，是紅樓夢的黛玉與寶玉。 於是藝術家耗時多年、輾轉思量，創作出以清代文學經典《紅樓夢》中十二金釵為主題的「花非花」系列。以「人物」為主題——那是相較於過往專注描繪空間與環境的全新挑戰。也許大觀園就如同一個平行於現世生活的烏托邦，正如許旆誠所自述：「那是一座介於敘事與寓言之間的園林……青春的記憶與中年的感知在其中交錯，使夢境、歷史與現實彼此滲透。」 一個過往堅持與世界保持距離，期許自己成為「夢讀」的創作者，如何在時間沉積的複雜園林中，一步步走入人類的愛恨情仇，又如何再從那混沌中理出自己獨有的詮釋？ 闊別多年的畫廊個展，許旆誠選擇在曜畫廊與觀眾們分享其近年來歷經掙扎、迷惘、堅持後的真誠表白。獨有的詩意就像是堅硬的骨骼般，在創作的底層持續低吟；不同的是，在煙火氣的熏習之下，我們見著了生命在藝術家身上留下的痕跡，華美而清麗，繽紛而悠遠，就像是翻開一頁又一頁遙遠的文學經典，如夢似幻地叫人神往，卻又生生地直入腑臟令人動容。 彩虹的骨頭，或許是在掀開七彩斑斕的幻象之後，存在心中那比物質更堅硬的不可得見。 ⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄ 2026.05.30 - 2026.07.12 「彩虹的骨頭：許旆誠個展」 https://gallerydesol.com/ashes-of-a-rainbow/ 曜畫廊Gallery de sol 台北市敦化北路166號文華精品3樓 週二－週六 1-9pm（週日採預約制） 歡迎加入LINE@預約看展✨來訊即有專人服務 https://lin.ee/mRG5k56 ⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄⋄

𓊆𓊇 藝術家介紹 楊芝涵（YANG CHIH-HAN）畢業於國立臺北藝術大學美術學系，後赴英國University of the Arts London取得美術繪畫碩士學位。其創作長期關注地方、邊界與身體之間的關係，透過繪畫建構流動且反常的空間場域，呈現多層次的動態景觀。並於2022年於義大利T293 Gallery舉辦個展《UNFOLDING LANDSCAPE》，作品曾於羅馬、倫敦、上海與首爾等地展出。其創作從日常景觀出發，透過空間重構與感知轉化，持續探索身體、環境與觀看之間的關係。 𓊆𓊇 展覽介紹 「環繞｜未定的所在」，以環繞作為理解空間與關係的方式。 「所在」並非固定的空間座標，而是在身體、環境與他者之間持續移動與調整的狀態。 創作源於藝術家在城市中的移動經驗，將行走、停留與觀看轉化為畫面中的線條、色塊與結構，形成介於抽象與具象之間的視覺語言。在其繪畫中，筆觸不僅是形式表現，而是身體位移的記錄；色彩的聚散與筆觸的方向構成推動、牽引與擴散的關係，使畫面呈現為一種可被感知的動態空間。 城市速寫保留即時的身體反應，並延伸為繪畫構成與空間思考。展場中的金屬管狀裝置拆解自日常結構，去除既有功能後，轉化為介於熟悉與陌生之間的存在，在空間中界定並干擾觀者的行走路徑。 在此脈絡中，繪畫可被理解為一種「力的分佈」。筆觸的方向、密度與色彩的聚散構成多重關係，使空間在持續的推動與平衡中生成。觀者在行走與觀看之間，重新感知自身與空間的關係與位置。 展覽專訪➥https://www.kingcarart.org.tw/exhibitions-detail/256

此次五位藝術家的創作，並非再現現實物的具體形象，而是試圖捕捉對藝術裡的情感延伸，及對生活自然的探尋，也讓藝術繪畫成為一種對生命轉化與存在狀態的詩意探索，本著傳達純藝術的推廣與實踐，讓藝術走進生活。 Rather than reproducing concrete forms from the visible world, the works of these five artists seek to capture the emotional resonance of art and explore the organic nature of life. Their paintings become poetic inquiries into transformation and existence, embodying the promotion and practice of pure art while bringing art closer to everyday life.

由台日韓三國藝術家組成的PRISM共同舉辦第14屆的藝術聯展，以各自風格的畫作與錄像作品呈現彼此對於生活與藝術上的見解，此次以飛為主題，期盼在自我想法中與藝術交錯，持續翱翔。 The 14th edition of the PRISM international group exhibition is jointly presented by artists from Taiwan, Japan, and South Korea. Through paintings and video works in their distinctive artistic styles, the artists express their perspectives on life and art. Centered on the theme of “Flight,” the exhibition explores the intersection between personal thoughts and artistic expression, aspiring to continue soaring through creativity and imagination.

棲居於流動的江戶夢：山口藍也趣個展，十五載的溫度與回望 6月13日(六)日本藝術家山口藍 (Ai YAMAGUCHI b.1977) 再度攜手也趣藝廊，透過《A House That Finds Its Way》展開一場關於「家」、記憶與療癒的深層對話。十五年前的東日本大震災，是山口藍創作生涯的轉捩點，當時災難帶來的心理創傷，使藝術家重新凝視「藝術」，轉將筆下角色繪成一種溫柔的防護，也潛藏著對社會集體心理的敏銳回應。 浮世繪的當代變奏 山口藍的創作始終紮根於江戶時期的藝術沃土。她巧妙地將傳統「浮世繪」（Ukiyo-e）中關於美人的耽溺與纖細，轉化為一種超越性別與時代的靈魂側寫，展現更為內斂的生命韌性。藝術家刻意淡化少女的身體性徵，使人物介於孩童與成年人間那曖昧而脆弱的成長狀態，少女在此是尚未被社會全然定義的存在，因此保有最純粹的自由與感知。 她捨棄傳統畫布，運用如棉布、古傢俱、貝殼等具有細緻紋理等媒材創作，透過溫潤低彩度的色調與和服紋樣般的細節描繪，畫面展現出如呼吸般輕盈而緩慢的節奏。作品中圓潤柔和的輪廓，猶如承載著長時間沉澱後的生命體悟；關於失去、感謝、記憶，以及人類如何在不確定之中，依然選擇靜謐地前行。 《A House That Finds Its Way》不僅是山口藍與也趣的久別重逢，從喧囂的街頭走入這座藝術的「家」，山口藍用她的作品告訴我們：即便世界曾破碎，美依然會在灰暗的時刻，溫柔地為觀者遞上一盞燈。

大地的衣裳〜墨痕 油彩與泥土的歲月凝視 展期：2026.7.8-30 大地是無聲的史詩，而藝術是歲月最動人的凝視。行草的筆墨在紙上交織，如行雲流水，揮灑著風的姿態與生命的氣韻；水墨的山水在紙上漫延，聽驚濤拍岸，在潑墨煙雲間納入宇宙的浩瀚；油彩的斑斕自褐色大地中厚植，揉合燦爛的金色，淬鍊出如寶藏船體般沉穩而豐盈的人之內涵；陶藝的泥痕在窯火中淬煉，沉澱了泥土的厚實，留住指尖最初的溫度。線條、墨痕、內在的光芒與泥土，四種語彙交織前行。我們以此為經緯，為大地裁製一件歲月的衣裳。 誠摯邀請您步入展場，在墨韻與心靈寶藏的交錯間，找回那份源於自然的典雅與初心。

「真實，猶如一張精緻的畫作，若僅具有物象的外形描繪是不足夠的，還必須有直覺、觸感的深刻體悟，及引起觀賞者共鳴的愉悅，才算得上是『真實』。」-許坤成 許坤成創作結合超級寫實主義與後立體派技法，在自然光下捕捉多視角的構圖，並以靜物展開對真實的深層凝視。

「吟遊於母星之間」曾詩涵個展 2026.06.20 – 2026.08.01 本次展覽聚焦藝術家近年重要生命旅程與精神轉化歷程，作品靈感來自2025年前往尼泊爾喜馬拉雅山聖母峰基地營（Everest Base Camp, EBC）健行的經驗，以及同年於法國科西嘉島駐村期間所感受到的人文氛圍與文化衝擊。透過膠彩、水墨與礦物顏料層層堆疊的畫面語彙，藝術家重新編織山脈、大地與內在心識之間的深層連結。 曾詩涵長期以膠彩媒材作為創作核心，近年作品逐漸從具象敘事轉向精神性與內在感知的探索。此次展覽中，藝術家將旅途中對於自然環境的深刻感受轉化為畫面中的能量痕跡。從喜馬拉雅山脈寒冷稀薄的空氣、不可預測的氣候與身體極限，到沿途動物默默負重前行的景象，都成為此次創作的重要精神來源。藝術家在山行途中不斷與自身內在對話，並透過誦念與步行，在高海拔環境中重新感知身體與意識之間的關係。對她而言，身體本身即是一座神聖的殿堂，而所有關於神性的追尋，最終仍回到內在自身。 另一方面，法國科西嘉島的駐村經驗則帶來截然不同的視野轉變。當地自由而包容的人文氛圍，以及藝術創作者之間坦率直接的交流，使藝術家重新思考創作存在的價值與意義。在駐村期間，曾詩涵與來自不同領域的動畫師、電影導演交流創作歷程，也更加確認藝術不只是個人情感的抒發，更是一種能夠與他人產生精神共振的媒介。 此次展覽除了展出2026年全新創作，也將回望藝術家近年不同階段的重要作品脈絡。新作中可見喜馬拉雅山脈的地景、樹木、河流、石礫與動物等具象元素，同時融合藝術家長期關注的光、能量與靈性意象。畫面中大量運用膠彩中的「揉紙技法」，透過紙張皺褶所形成的自然紋理，結合礦物顏料、新岩顏料與土顏料的堆疊，營造出如山脈岩層般的肌理與空氣感。藝術家亦以毛筆細膩描繪植物與動物形象，並透過手指直接塗抹顏料，使創作行為更貼近身體與土地之間的直接感知。 此外，曾詩涵也於此次展覽中嘗試手工製作「手抄紙」，並在其上描繪帶有神秘色彩的靈獸形象。這些作品延續她近年對於精神性與能量場域的探索，也進一步將自然、神話與內在意識交織成視覺語言。 從2020年親人離世後的內在探索，到此次面對山脈與世界的行走經驗，曾詩涵的創作始終圍繞著「轉化」與「光」的追尋。她透過碎形般的色彩、流動性的筆觸與充滿呼吸感的空間結構，試圖將那些難以言說的感知轉化為畫面中的精神場域。觀者在觀看作品時，不只是觀看風景或圖像，更像是進入一段關於生命、自然與自我意識的漫長旅程。 《吟遊於母星之間》不僅是一場關於旅行與自然的展覽，更是一場對內在世界的凝視。藝術家透過作品邀請觀眾重新感受身體、情感與世界之間的細微連結，在不同生命經驗的流動之中，尋找屬於自身的精神座標。 曾詩涵與阿波羅畫廊合作多年，最早於2016年參與台北國際當代藝術博覽會 Young Art Taipei 2016（YAT 2016），其後於2017年即參與阿波羅畫廊新銳畫家助長計畫《楊桃派》，並持續參與畫廊策劃之展覽與藝術博覽會，包括《未來光》差異化時代的台灣青年膠彩畫家、臺北國際藝術博覽會、臺南藝博、臺中藝博、ONE ART Taipei 等展出。多年來，阿波羅畫廊持續關注並推動曾詩涵的創作發展，見證其從膠彩與水墨創作出發，逐步轉向精神性、自然感知與內在轉化的藝術實踐。此次《吟遊於母星之間》亦可視為藝術家與畫廊長期合作脈絡中的重要個展呈現。 ━━━━━━━━━━━━━━ 展覽｜藝術家個展《吟遊於母星之間》 展期｜2026.06.20 – 2026.08.01 地點｜阿波羅畫廊 (106臺北市大安區車層里忠孝東路四段218-6號2樓) Wandering Between Origins TSENG Shih-Han Solo Exhibition 2026.06.20 – 2026.08.01 This exhibition centers on Taiwanese artist TSENG Shih-Han’s recent life journeys and processes of spiritual transformation. The works are inspired by her trek to Everest Base Camp (EBC) in the Himalayas of Nepal during April to May 2025, as well as the cultural experiences and perspectives encountered during her residency in Corsica, France later that year. Through layered applications of mineral pigments, ink, and traditional Eastern painting materials, the artist reconstructs a profound connection between mountains, earth, and inner consciousness. TSENG Shih-Han has long regarded Nihonga and mineral pigment painting as the core of her artistic practice. In recent years, her work has gradually shifted from figurative narrative toward explorations of spirituality and intuitive perception. In this exhibition, the artist transforms her experiences of nature into traces of energy embedded within the paintings. The freezing thin air of the Himalayas, the unpredictability of the environment, the limits of the body, and the silent labor of animals carrying supplies through the mountains all became significant spiritual impressions within her creative process. During the trek, the artist continuously entered into dialogue with her inner self through walking and chanting, rediscovering the relationship between body and consciousness within extreme landscapes. For TSENG, the body itself became a sacred sanctuary, and every pursuit of divinity ultimately returned inward. In contrast, her residency experience in Corsica opened an entirely different perspective. The atmosphere of freedom, openness, and humanistic beauty in France profoundly impacted the artist’s understanding of creative existence. During the residency, TSENG shared her decade-long artistic journey with visiting animators and film directors, receiving deeply emotional responses that reaffirmed the value and necessity of artistic creation as a means of spiritual resonance beyond personal expression. This exhibition presents both new works created in 2026 and selected pieces from previous periods of the artist’s practice. The recent works incorporate landscapes from the Himalayas, including mountains, rivers, trees, stones, and animals, while intertwining recurring motifs of light, energy, and spirituality. Many works employ the traditional crumpling-paper technique used in Nihonga painting, allowing wrinkles and tex