臺中展覽

此展覽以性暴力倖存者的視角出發，關注社會對「完美受害者」的單一想像，並呈現受害經驗中多層次、矛盾且經常被忽略的狀態，包括自責、羞恥、憤怒、麻痺、逃避與反抗，構成倖存者經驗的複雜性。 作品同時指向那些存在於日常中的邊界侵蝕——看似中性的語言與互動，如何在親密關係與創作場域中影響身體界線與權力關係。 本展覽希望作為一個開放的場域，引發對性暴力經驗、身體界線與權力結構的討論與思考，並展現受害者經驗與脆弱狀態的多元樣貌，邀請更多理解與對話。 #個展 #平面繪畫 #蠟筆

1999.9.21的大地震從破碎到重建，讓人體悟了生命的無常與堅韌。在廢墟中萌生新的希望，在斷裂中找到新的秩序與力量。延續2016~2020年「窯塑」創作，破裂與重組成為重要的語彙，2023年以「疊燒」技法重複堆疊與燒製，象徵時間層疊及生命不斷延續和蛻變。通過藝術的實踐，回應土地同時獲得療癒。將地震毀損的作品再創，重新賦予[陶器]新的生命，因而記憶的沉澱與重構，昇華了時間的情感與厚度。

由中華青年文化拓展協會策劃，集結來自不同地區與背景的青年藝術創作者，以「藝起。無界」為主題，共同呈現一場打破疆界的文化對話。作品涵蓋多樣工藝媒材，包括玻璃、陶瓷、漆器、竹編、銅雕等，展現青年創作者如何在傳統技藝與當代美感之間尋找平衡，並以創新手法重新詮釋中華文化的深厚底蘊。

「搖滾巴洛克」是程英斌藉由此次的師生油畫美展，一併將學員們於西洋古典繪畫與印象派習作，共同發表的學習成果。「巴洛克」繪畫其實是西洋於十七世紀時，發展如舞台劇的場景，並於瞬間凍結動態的畫面。而「搖滾」則是一種浪漫的情愫，於藝術家的情感和性格中，展現創作的趣味。將「巴洛克」和「搖滾」兩相結合，也就呈現從古典走到當代的搖滾風情。搖滾不只是形式，搖滾也是一種當代藝術裡的自在，藉由此次的展出，與觀眾分享我們的藝術哲學。

郭騰輝採油彩及複合媒材創作為主，以「吃人意象」、「蛻變意象」與「咒語意象」為創作主題，「吃人意象」乃針對社會案件的思索，採自由形象的手法，多元圖像的重疊，極自由的組合，不拘章法，呈現吃人的意象。「蛻變意象」靈感來自蝴蝶蛻變相關的圖象，立體多元的結構與媒材，突破單一畫面的傳統，呈現蛻變的意象。「咒語意象」以符號式的圖象、自動書寫性質，無拘無束地於畫面上噴灑著咒語相關的元素，無需解讀其意義，直覺地意會。

在新歲更迭之際，臺中市大墩文化中心迎來簡源忠教授的鑲嵌藝術創作展，帶來本年度展期中極「重量級」的平面創作，一系列以鑲嵌藝術為核心的複合媒材作品。看似粗獷的碎石與細磚，在俐落而精準的刀法之下，被細膩地敲製、排列、組構，於畫面中生成流動的節奏與層層交錯的光影，既沉穩又富於變化，令人不自覺地駐足凝視。 藝術往往是在時間的淬鍊之中逐漸生成的結晶。它記錄的不僅是創作者的生命軌跡，也映照出不同時代所留下的文化紋理與觀看方式。簡教授長期深耕鑲嵌藝術，自 1970 年代起投入相關研究與創作，遠赴歐洲研習古典鑲嵌技法，在嚴謹而紮實的工藝訓練中，建立起對材質、結構與節奏的高度敏感度。這樣的學養背景，使他得以在古老技藝之上，持續發展出屬於當代的視覺語彙，讓鑲嵌藝術不僅停留於技法層次，更成為一種思考時間與世界的方式。 《若水 靜謐而流動－簡源忠鑲嵌藝術創作展》是一場細膩鋪陳藝術、工藝與生活美學之間的重要展覽。本次展覽所規劃的「衷於初心」、「若水 靜謐而流動」與「時尚構成」三個系列，完整呈現藝術家從古典而華麗的意象出發，逐步走向自然意象、生命哲學與當代美學的創作軌跡。作品之中既可見鑲嵌藝術特有的節奏律動與結構層次，也能感受到藝術家與生活、與時間之間持續展開的對話，使這項古老技藝在今日依然保有豐富而細膩的生命力。 簡教授特別為了本次展覽全新創作的巨幅馬賽克鑲嵌藝術〈母親之河—麻園頭溪〉。作品以流經臺中市的溪流為題，將自然地景、歷史記憶與人文生活層層交織，透過850公分長幅的鑲嵌畫面，緩緩鋪展土地的故事與時間的流向，相當有意義。誠摯邀請市民朋友於展期之中走進展場，細細觀看簡源忠教授如何以鑲嵌工藝，讓時間在畫面中流動，並閃映出屬於這座城市的光影；也期待觀者能在層層細膩的堆疊之間，感受藝術所帶來的深遠迴響，並與作品展開一段屬於自己的觀看旅程。

台灣天然染色創新協進會成立後的國內首展，以「舞顏蹓色」作為創作展覽主題。會員透過大自然給予的各種色彩，運用不同的技法，展現在多樣貌的作品上。 選擇在臺中市葫蘆墩文化中心展覽，因這裡是大部分會員接觸藍染及植物染的重要起點。它不僅提供友善環境，重視手作藝術的氛圍，並且著力於推廣傳統技藝的傳承。藉由展覽讓這份獨特的美學被看見、被欣賞，繼而被永續地傳承著。

2005年Google Map誕生，衛星影像成為日常視覺經驗，人類逐步習慣以俯瞰方式理解世界。 城市與地景被轉化為平面化的圖像結構，觀看看似更全面，卻同時抽離了身體經驗與時間感。 本展以「上帝之眼-由心觀象」為題，試圖重新思考觀看位置、記憶生成與地圖意象之間的關係。 法國哲學家 Henri Bergson 指出，記憶並非被保存的過去，而是在每一個當下因應心境與行動需求所重新組織的結果。 由此出發，地圖意象不再指向客觀空間，而成為心智重構經驗的視覺形式。 事件亦非凝結於瞬間，正如 Maurice Merleau-Ponty 所言，世界並非被觀看的物件，而是透過身體、移動與時間所經驗的場域。 然而，俯瞰視角亦隱含權力結構。 Michel Foucault 提醒我們，觀看從來不是中立的。 本展透過繪畫重新轉譯地圖，將去身體化的視角重新注入感性與主觀經驗。進一步而言，影像不再只是瞬間的紀錄，正如 Gilles Deleuze 所提出的「時間-影像」，畫面承載的是時間的沉積與思想的生成。 因此，這些地圖意象並非空間的再現，而是時間、經驗與心境交疊後形成的心理地景──一種真正由心出發的觀看方式 。

本展以「創意人生」為題，回望蔡榮祐自1970年代以來與陶同行的創作歷程。蔡榮祐1944年生於臺中霧峰，1977年返鄉創立「廣達藝苑」，以窯火為志業，點燃半世紀未曾止息的創作之路。他的藝術根植於生活，從茶器、花器等日用陶出發，延伸至造形陶與「以陶造石」的實驗，回應自然、時間與內在心境。土的質性、火的淬鍊與釉色的流轉，在反覆燒煉中沉澱為溫潤而內斂的語言。展覽除展出73件陶藝作品與多本專輯外，亦呈現其早期繪畫、設計稿與攝影作品，並展出銅雕《重逢》，完整鋪陳其跨媒材的創作軌跡。邀請觀者走近一位以一生實踐藝術、在靜默中守護初心的陶藝家。

大河美術將推出群展《Hippocampal Overflow》，參與藝術家來自不同文化與世代背景， 包括美籍日粵裔藝術家 Michael Rikio Ming Hee Ho、英國藝術家 Penny Davenport、臺灣藝術家 RayHan、美籍日韓裔藝術家 ShingoYamazaki，以及加拿大籍臺裔藝術家 Yi- Shuan Lee，集體構築一則關於記憶失效、感知過載與自我安置的當代寓言，與我們共同提出這場時代診斷。 《Hippocampal Overflow》源自對當代藝術家創作狀態的長期觀察。回顧過去一年，從引發全球震盪的關稅貿易戰、戰爭與安全危機、東亞地緣政治的變動，到更貼近我們日常生活的 AI 經濟狂熱、社群媒體管制與禁令，以及年末令人遺憾、深刻撼動臺灣社會的攻擊事件——皆同時指向一種普遍而迫切的現實處境:我們正生活在一個資訊極速運轉、數位訊號無限疊加，情感與認知頻繁失衡的世界。當既有的集體敘事逐漸失效，荒誕如電影般的情節，或邏輯斷裂、難以言說的夢境，成為日常經驗的一部分。人們被迫退回更為私密的層次，從零散的感知、破碎的記憶與殘存的符號之中，嘗試重新編織意義，為自身尋找一處得以暫時安放的所在。 「Hippocampal」一詞來自人腦中負責連結記憶、情緒與空間感知的關鍵區域——海馬迴(Hippocampus)。它能在瞬間整合事件與感受，並於休息與睡眠中反覆重播日常經驗， 使記憶得以沉澱與轉化。其詞源結合了希臘語中「馬(hippos)」與「海妖(kampos)」的意象:半人、蛇形、尾如蠍——一種介於真實與虛幻之間的存在，既靜謐，也潛藏危險，如同夢境本身。如今這套記憶與情感系統，正承受前所未有的壓力。數位技術的高度介入，使人類與人工智慧的記憶彼此交錯;戰爭、移民與疫情的長期創傷，使集體情感徘徊於保存與流失之間;身分邊界持續被拆解與重組，氣候災難則迫使人類與萬物共享的記憶系統一同顫動、崩解。當海馬迴過載，短期記憶無法轉化為長期儲存，潛意識開始失序，現實與想像的界線逐漸模糊——幻想不再只是逃避的場所，而是溢出於現實之中，成為我們每日生活的鏡像。 《Hippocampal Overflow》中，展出藝術家以各自獨立卻彼此呼應的方式，在回望童年與神話，修補斷裂的集體想像層面;或透過動物與自然的凝視，映照人性的脆弱與矛盾; 甚至是將語言、物件與形式轉化為情感的容器，在文化漂流的狀態中尋找暫時的庇護等，回應了這種過剩現實所帶來的心理狀態。本展既是一種集體的神經反應，也是一場對記憶的修復行動。當第一層記憶系統宣告失效，藝術或許成為另一種持續記錄和對話，保留生存的可能。 大河美術此次選擇將邀請轉為開放，只因一個已然成形的現實——你我早已身處熟悉崩塌的敘事情境之中。當「海馬迴過載」被反覆宣告為我們的時代病徵，該如何自我救贖? 走進現場，與藝術家們一同從殘存的片段中重組意義，創造一則屬於自己與當下的神話。 #聯展 #油彩 #複合媒材