桃園展覽

藝術家方昭茨的創作源自旅居山林與回到都市之間的心境轉折。遠離熟悉生活後重新面對自我，讓她得以在自然的緩慢節奏與城市的快速流變中，看見情感、記憶與身體感知的細微變化。陶土被她視為情緒的載體，透過堆疊、切割、縫補與支撐，使內在狀態逐層沉積在形體之中。時間、環境與經驗在作品裡彼此交錯，如同回憶的片段被重新拼合，成為可被凝視的心理地景。 展覽中的六件作品，呈現出既離散又緊密的矛盾質地，反映個體在遷徙、適應與回望中反覆調整自身的位置。從山林的靜謐過渡到城市的張力，材料的痕跡與表面裂縫皆象徵情感在壓力與修復之間的震盪。作品所建構的空間不只是外在環境的回應，更是一段內在狀態的層疊；在陶土的質感裡，記憶被重新觸發，土地得以發聲，生活的矛盾與力量也悄然浮現。 The Realm of Layers—A Solo Exhibition by Chao-Tzu, FANG Artist Chao-Tzu, FANG’s creative practice emerges from the emotional shifts between living in the mountains and returning to the city. Stepping away from familiar surroundings and confronting the self anew, she becomes attuned to the subtle changes in emotion, memory, and bodily perception shaped by the slow rhythms of nature and the rapid flux of urban life. To Chao-Tzu, clay becomes a vessel for emotion. Its surface layered, cut, mended, and supported, allowing internal states to settle into form, layer by layer. Time, environment, and experience intertwine within the work, like fragments of memory pieced back together into a psychological landscape open to contemplation. The six featured works embody a texture of contradictions, at once dispersed and closely bound, echoing the individual’s continuous negotiation of place amid movement, adaptation, and reflection. Transitioning from the stillness of the forest to the tension of the city, the cracks and traces within the material mirror the tremors of emotion navigating between pressure and repair. The spaces constructed by her works do more than respond to external environments; they evoke an inner layering of states. Within the tactile quality of clay, memory is reawakened, the earth speaks, and the contradictions and quiet strength of lived experience begin to surface.

藝術家廖美文以陶藝作為思考的延伸，從摺紙經驗與幾何邏輯出發，探索形體如何成為觀看世界的另一種語言。她特別關注當代社會中秩序、認知與感知方式的形成，並嘗試在陶土的折、皺、轉折與交界中，建立一種介於理性與感性之間的觀察結構。作品中的線、面與角度彼此牽動，形成一套可被閱讀的結構系統；透過方向性的推進與層次的變化，使「向」得以成為觀看的起點，「度」則轉化為理解的深度與廣度。 本展中的十四件立體作品，以陶土的可塑性回應思辨的可能性。不同的形體組合、光影流動與表面張力，象徵個體在世界結構中尋找自身位置的過程。作品不以呈現具象景物為目的，而是以純粹的形與面，開啟觀者對空間、秩序與內在認知的再思考，使陶藝成為思維的容器與觀看的新的向度。 Dimension—A Solo Exhibition by Mei-Wen, LIAO For artist Mei-Wen, LIAO, ceramics serve as an extension of thought, a way to explore how form can become a language for seeing the world. Drawing inspiration from the logic of geometry and the delicate structures of paper folding, her work investigates how perception, cognition, and systems of order are shaped in contemporary life. Through folding, creasing, and intersecting clay, she constructs a framework that exists between the rational and the intuitive. In her sculptural practice, lines, planes, and angles interact to form readable systems, structures that speak in silence. As directional flow shifts and layers unfold, Xiang becomes a point of departure for seeing, while Du transforms into the depth and breadth of understanding. The fourteen ceramic sculptures featured in this exhibition respond to the possibilities of thought through the malleability of clay. The variations in form, the flow of light and shadow, and the tension of surfaces symbolize the process of the individual seeking their place within the structures of the world. These works do not attempt to depict concrete imagery; instead, through pure form and spatial dialogue, they invite viewers to reconsider space, order, and inner awareness. In this way, ceramics become containers for thought and portals into a new dimension of seeing.

本展源自藝術家平仙妮於印度偏鄉的駐村經驗，並延伸至對台灣女性處境的回望。她以自創的「寶 Bao」形象為視覺核心，串連兩地文化中女性在日常勞作、時代轉變與家族生命中的不同角色。作品從大地的樸實荒蕪，轉至當代社會的文化繁盛，呈現女性在迥異環境中以柔韌之姿支撐生活、滋養他人，並以內在光亮回應生命的重量。 展覽涵蓋繪畫、陶塑、立體裝置與跨文化合作創作，多層次材質與敘事交織成女性生命韌性的視覺語彙。從印度土地的粗粝質感，到台灣社會的繁盛景象，本展透過「荒蕪」與「繁盛」的對照，映現女性在不同處境下所展現的溫柔與堅毅。觀者得以在此踏上跨越地域與文化的視覺旅程，感受女性生命力的深刻與美麗。 Between Barren and Blooming—A Solo Exhibition by Hsien Ni Ping The exhibition is rooted in artist Hsien Ni Ping’s residency experience in rural India and extends into a reflective dialogue with the lived realities of women in Taiwan. At the heart of her visual language is the figure of “Bao,” a symbolic persona she created to embody the many roles women inhabit across cultures—through daily labor, generational changes, and family life. Her works trace a journey from the raw, barren landscapes of the earth to the vibrant cultural richness of contemporary society, revealing the quiet resilience with which women sustain lives, nurture others, and respond to the weight of existence with an inner light. The exhibition encompasses painting, ceramic sculpture, installation, and cross-cultural collaborative works. Through layered materials and narrative threads, it constructs a visual vocabulary that speaks to the strength and tenderness of women’s lives. From the coarse textures of Indian soil to the flourishing imagery of Taiwanese society, the contrast between barren and blooming becomes a mirror reflecting the grace and fortitude of women across different worlds. Viewers are invited on a visual journey that transcends geography and culture—one that reveals the depth and beauty of feminine vitality.

畢國忞老師與八德陸光四村國畫師生聯展，展出水墨、彩墨國畫作品。 水墨畫，僅有水與墨，黑與白，代表作有山水、竹子畫，進階的水墨畫，也有工筆花、鳥畫，色彩繽紛，也稱為彩墨畫。本期展出的作品-近處寫實，遠處抽象，色彩微妙，意境豐富，竭誠歡迎有興趣的民眾蒞臨參觀。

年近三十的我，社會責任的壓力越來越重，好像得要在三十歲前確立自己的專業及目標。而我並非沒有累積專業技能，而是這個技能對於大眾來說夠專業嗎？它是我未來可以拿來自我介紹的嗎？因此我想將不同時期所學的技能，拿來與觀眾互動，藉此評斷自己與大眾對於專業的認知是否有落差。 展覽名稱｜《半吊子》康竣傑個展 展覽日期｜2026/3/25-2026/4/30 展覽地點｜众藝術（桃園市桃園區中埔六街196巷22號） 開放時間｜每週三-日12:00-18:00（每週一、二與國定假日休館，如有特殊因素請至FB查詢） 閉幕座談｜4/25(六)14:00 與談人：陳韋鑑 協辦單位｜桃園市政府文化局 贊助單位｜尹水植園

此場視覺饗宴，將藝術之美呈現無盡愉悅的回憶，透過對色彩的創作靈感，一同盡情享受藝術生活之樂。 黃瑞英初期緣於父親喜愛畫作，自幼在父親的作品渲染及誘導下，耳濡目染的對繪畫產生莫大的興趣 。 繪畫能探索不同的色彩和形狀，不僅是一種自我療癒的過程，也是放鬆心情的方式，讓黃瑞英的藝術旅程更加豐富而多彩繽紛。 經歷： 1. 111年平鎮區公所粉臘筆推畫師生展 2. 112年平鎮區公所時光印記油畫師生五人展 3. 112年大溪戶政事務所逗色趣粉臘筆推畫三人展 4. 112年大溪戶政事務所悅目愉心油畫個展 5. 113年平鎮區公所藝趣塗鴉推畫美展 6. 113年中壢區公所神彩藝益推畫聯展 7. 113年好處THOU Bistro Cafs夢想印記油畫三人展 8. 114年鍾小勤麵食館 藝趣塗鴉粉蠟筆推畫美展 9. 114年楊梅地政事務所四季之歌油畫師生展 10. 114年龍潭圖書館田園藝廊永不放棄粉蠟筆推畫展 11. 114年中壢區公所同思共創粉蠟筆推畫聯展 12. 114年鍾小勤麵食館拾光油畫雙人展

以「吾愛吾校～視覺情書」為主題，邀請學生以藝術創作回望校園歲月，重構與學校之間的情感連結。在作品中，他們可以選擇校園裡最深刻的角落與記憶：清晨走廊斑駁的光影、午後教室中笑聲盈盈的友情，以及美術教室裡那份專屬創作的自由感。學校不僅是知識的殿堂，更是學生心靈滋養的所在，是靈感的泉源，也是成長的港灣。這場展覽，如同一封由學生親手書寫的視覺情書，溫柔且真摯，表達他們對學校的感謝與熱愛。期盼觀者能在作品中感受到學生眼中最動人的校園風景，與那份專屬青春的純粹情感。

蔡蔭棠（1909-1998）出生於新竹新埔，求學時期曾受鹽月桃甫等名師啟發，奠定其藝術志向。雖依父母之命赴京都帝國大學攻讀經濟，他仍勤奮研習繪畫，以行動證明對藝術的執著。他不僅積極參與省展、臺陽展，並與畫友共組「星期日畫會」。自1960年起，其創作風格更趨奔放多元，即便古稀之年旅居美國，他依舊筆耕不輟，持續追求色彩與自然交融的嶄新境界。 「『一見鍾情』時，腦子裡即已準備要畫，不過開始前，要先把感情冷靜下來，慢慢思考令我們一見鍾情的要素在哪裡。」此為蔡蔭棠的創作思考，亦是其一生的重要指標。他以敏銳觀察力在城市建築、自然風景與人體描繪之間，探索視覺空間的層次與節奏。作品由早期沉著的寫實風格，逐步轉化為色彩奔放、筆觸具動勢的表現主義式語彙，形塑出極具辨識度的藝術風格。 本展以「藝見鍾情」呼應其創作理念，從建築、風景、人體與速寫四個脈絡，重新梳理蔡蔭棠跨越半世紀的創作歷程，呈現其在台灣美術史的獨特面貌。期盼觀者透過此展，體會蔡氏觀看世界的方式，從中開展個人的視覺體驗。

陶瓷常被視為以造形與色彩為主的視覺藝術，本展以「聲音」為切入點，重新思考觀看陶藝的方式，從揉土、拉坯、燒窯到日常使用器皿時所產生的細微聲響，呈現人與陶瓷之間長久累積的情感與互動。展覽串聯不同展區，透過視覺、聲響與互動呈現，引導觀眾從單一觀看走向多重感官的感知經驗，讓陶藝不僅被看見，也能被聽見。

本次展覽由粉彩藝術家林祺珖提供粉彩畫精品，其作品立足生活週遭，涵蓋風景、靜物與人物寫生等多元題材。憑藉紮實的素描功底與精妙用色，畫家捕捉光影律動與生動瞬間，以簡潔筆觸傳達深蘊韻味。色彩豐富飽滿的畫面中，無論人物神態還是場景細節，皆耐人尋味，既兼具油畫的厚重與水彩的靈動，更讓觀者直入情境、感受生活溫度。展覽亦展現成為台灣第一位進入國際粉彩協會大師圈的專業造詣，呈現粉畫藝術的獨特魅力。