新北展覽

(１)展期：115年6月3日至115年7月1日。 (２)開幕式：115年6月4日上午10時30分。 (３)展覽概述：由本中心主辦、國立臺灣藝術大學書畫藝術學系協辦、張進勇當代書畫藝術學會承辦，並由國立臺灣藝術大學助理教授楊企霞擔任策展人。為弘揚張進勇教授畢生致力於藝術創作、教育與創新之精神，由楊企霞助理教授發起成立學會並策劃辦理本展，以「藝境穿梭」為題，緬懷張教授於書畫藝術領域之卓越成就及其對藝術教育之深遠影響。本次展出匯聚多位大學書畫名家與學會成員，涵蓋老、中、青三代藝術創作者，展出作品媒材包含彩墨、膠彩及書法等，內容豐富多元，展現當代書畫藝術在傳統承繼與創新發展之間的豐沛能量。整體展覽兼具學術交流與藝術推廣意義，呈現當代書畫之文化深度與時代精神，非常精彩。

《墨緣小集》之成立 四十年前追隨書法家謝宗安大師門生習書多人，因緣逐漸成熟，謝師遂為弟子們組成多個墨字輩子會，【墨緣小集】於是誕生了，我們定期聚會切磋，以墨會友，以友輔仁，每一、二年公開展覽，一者檢視學習成果，期精益求精；再者各子會藉以交流，互相觀摩請益；三者提倡書法風氣，以書法淑世。 因墨結緣了四十年，老幹新枝的傳承：隨著時間推移，小集在保持核心骨幹的同時，也不斷吸納優秀的「新血」加入。新舊成員的交融激盪，讓團體的創作風格兼具傳統碑派的沉穩與現代書藝的活潑多變。然而滄海桑田，物換星移，謝師雖已歸道山多年，我們還是秉承師命以筆墨結緣進而道藝相知。 墨緣小集成員的作品風格多元，今年【樂在其中】書法聯展涵蓋真（楷）、草、隸、篆等各種書體。由於承襲謝宗安先生的衣缽，成員多在漢魏碑學上扎根深厚，筆致沉穩、氣韻生動，並強調「一紙一硯，明心見性」的文人精神。

本次展覽匯聚了學員們多年來的學習心血與生命故事，透過膠彩、玻璃彩繪、攝影與壓克力畫等多元創作，展現他們如何以設計為媒介，重新點亮人生，開啟下一段旅程。

新北市這片土地，歷經多元族群交織共生，堆疊出豐富多樣的民俗文化與人文地景。傳承自世代間的祭典科儀、信仰符碼與生活習俗，透過文化資產的保存視角，被系統性地進行歷史梳理與田野研究；而在現當代藝術的視野裡，藝術家則以創造性的轉化與批判性的解讀，讓民間文化不只是被保存的對象，而是在每一代人的觀看與詮釋之中，蓬勃生長的生活現場。 新北市美術館自籌備以來，即以建構新北藝術史為核心脈絡，透過不同的關鍵字作為研究取徑，逐步形塑具在地視角的典藏系統。其中，「民間」作為重要的觀察向度，體現本館對於地方知識、民俗文化與常民生活的長期關注。本次展覽從美術館典藏出發，以民間作為索引，精選十位藝術家作品，透過不同的世代視角及多樣化的媒材，展現多重的文化精神樣貌，拓展館藏與公眾之間更為多元的對話可能。 展覽規劃為「民俗入畫」、「祭典現場」及「人間觀察室」三個子題，展現藝術家透過對民俗符號、信仰題材與祭典場景的觀察與轉譯，以藝術性的手法記錄、拆解並重新編碼這些文化元素，或是藉由民俗信仰的視角，揭露當代的社會現象與人性光譜。「擺渡」，意味著在河岸之間往返穿梭，也是一種觀看與理解的位置。藝術家的視角，如同一葉渡船，帶領我們返望民間，在民俗符號的解碼與再造之間穿梭，也在對社會的理解與提問之間往復。

當你走進展覽，看到不尋常的裝置、聽見既陌生又熟悉的聲音，或面對一場難以理解的表演，心中浮現「這裡正在發生什麼？這也是藝術嗎？」的疑惑時——探索，其實已經開始了。 藝術不一定只是關於「美」，它更像是一把打開世界的鑰匙。 也許，它是一個不斷提問的過程。藝術家常從生活出發，用各自的方式回應正在經歷的世界。在這個展覽中，六組創作者透過表演、拼布、繪畫、攝影、聲音、影像與裝置等多元形式，邀請我們一起思考「發生什麼事」。 創作，是為了找到自己的聲音。當語言不足以表達感受時，創作成為回應世界的一種方式。透過藝術創作，我們不只說出自己，也開始聽見他人。 在新美館「探索基地」裡，你不只是觀看者。當你停留下來，慢慢感受，會發現作品也正在回應你。

「共織宇宙」為托馬斯．薩拉切諾（Tomás Saraceno）於臺灣舉辦的首次大型個展。展覽邀請觀眾與「生命之網」一同感知世界，向空氣、蜘蛛、雲層、孢子、種子、暗物質、煤煙與污染微粒，以及宇宙本身學習。在沉浸式裝置中，蜘蛛與蛛網的結構，以及由回收材料組成的「飛行博物館」，成為想像多重未來的載體；同時，觀眾也將看見藝術家與阿根廷北部大鹽沼（Salinas Grandes）原住民社群長期合作的成果。

展覽大綱： 本次台北都市風貌數位復原的創作出發點，乃針對過去百年間，在台北城內眾所周知的知名地標，且在當今環境蕩然無存的代表性建築作為主要的研究對象。傳統上的建築欣賞，若非現有實物，則只能從圖紙、相片和保留的有限文資來知其梗概。但這種觀覽方式有其侷限，即觀賞者容易被專業圖說混淆，或者被既有的模糊相片所困擾，因而欠缺臨場感而難以引發共鳴。透過電腦創作的還原畫面，是我們嚴格考據下的整合結果。過程的前段需搭配地籍圖、空照圖，和已知的照片，一點一滴將不存在的建築拼接重建回來。初步工作結果有如文化部的國家建築數位資料庫，基本上是檔案夾，只是一個基底，沒有辦法發揮 引動人心的力量。因此，真正的創作由建模的後製出發，將電腦模型導入場景中，表達創作者對該棟建築的看法。此時，創作者的角色從一個專業建築師，轉而化身為利用不同角度帶領觀眾引入特定環境的攝影師了。經由特別安排的場景，配以高解析度的大型全彩圖像輸出，這樣的效果給人的震撼是巨大的。原來，百年前的台北曾經是這樣的城市風貌！ 展覽內容： 1.淡水車站 2.台北鐵道飯店 3.台北消防喆組 4.日清生命 5.吾妻旅館 6.三葉莊旅社 7.大倉商店 8.舊台北南門 9.菊元百貨 10.總督府圖書館 11.舊台北電話交換所 12.帝國生命保險大樓 13.台灣電力株式會社 14.淡水戲館 15.東本願寺台北別院 16.高橋邸 17.西本願寺 18.蓬萊町大聖堂 19.蓬萊閣大酒樓 20.江山樓 21.三井物產台北支店舊

圖騰脫離了固有脈絡，在畫布上進行一場無秩序的熵增運動，透過強烈的顏色對比與幾何構圖帶來一場流動的感官盛宴，邀請觀眾走進這片繽紛的視覺冒險，在斷裂的影像中尋找屬於自己的共鳴。

為推廣藝文活動，新北市汐止地政事務所於辦公廳舍舉辦「地政檔案應用常設展」。展出期間為114年12月30日至115年9月30日，開放展覽時間為週一至週五上午8點至下午5點30分，邀請大眾洽公之餘一同前來探索汐、金、萬三地的土地故事。

雕塑，是人類最古老的造型方式之一。然而，雕塑真正的革命，並非來自形式的創新，而是來自一次根本的觀念翻轉。1920年，俄羅斯構成主義藝術家南・嘉博（Naum Gabo）與安東尼・佩夫斯納（Antoine Pevsner）發表〈真實性宣言〉 ，宣告雕塑不再只是材料與技巧的操作，而是表現空間——包含時間這第四維度——的創作方法。此後，「物派」的場域實踐、博依斯的社會雕塑、史密森的熵與重力、吉爾伯特和喬治的「活雕塑」……皆在不同脈絡中延伸了這一洞見：雕塑是一種方法論，而非一種類型。 　　本展覽以「恆形」為核心概念，其命名直接來自數學中的拓樸學（topology）。拓樸學研究的是：當一個形體被拉伸、彎曲、壓縮，哪些結構關係始終保持不變？在拓樸的眼光下，圓形與橢圓形是「同一個形狀」——因為它們可以相互轉化，其本質結構從未失去。這個「在變化中不變的屬性」，拓樸學稱之為不變點（invariant）。「恆形」，正是這一概念的中文詮釋：「恆」指恆久不變，「形」指結構關係本身，而非外觀。 　　因此，「恆形」並非一種視覺風格，而是一種思考方式：在形態不斷演變、媒介不斷轉換的過程中，辨識那些始終成立的關係結構。展覽中的作品，被視為可被拉伸與重組的形態場域，其意義不來自外觀，而來自變形之後依然可被辨認的內在邏輯。觀眾的移動路徑、觀看距離、感知節奏，也因此成為作品形態的一部分。 　　1968年，日本藝術家關根伸夫的〈位相—大地〉 ——一個從地面挖出圓柱再原位豎立的大地作品——標誌著當代藝術「拓樸學轉向」的具體時刻。此後數十年，拓樸學的語彙——邊界、內外、連續性、斷裂——在藝術、哲學、建築與表演等領域中廣泛擴散，成為描述空間關係與感知結構的共同語言。 　　展覽同時關注觀者的身體感知。雕塑所開展的「拓樸空間」，並非抽象的數學圖式，而是透過眼、耳、身體乃至思維等多重感官被覺知的。「恆形」也因此是一種跨知覺的結構穩定性：當你從不同角度、不同時刻與作品相遇，那個核心的關係結構，是否依然可被辨認？ 　　《恆形—雕塑作為方法》呈現當代臺灣雕塑的多樣面貌，並嘗試以拓樸思維重新探問：何為雕塑的邊界？何為藝術認識的方法？在形態持續變動的當下，那些「恆久不變」的結構，也許正是我們理解藝術的新起點。