台灣展覽

此展覽以性暴力倖存者的視角出發，關注社會對「完美受害者」的單一想像，並呈現受害經驗中多層次、矛盾且經常被忽略的狀態，包括自責、羞恥、憤怒、麻痺、逃避與反抗，構成倖存者經驗的複雜性。 作品同時指向那些存在於日常中的邊界侵蝕——看似中性的語言與互動，如何在親密關係與創作場域中影響身體界線與權力關係。 本展覽希望作為一個開放的場域，引發對性暴力經驗、身體界線與權力結構的討論與思考，並展現受害者經驗與脆弱狀態的多元樣貌，邀請更多理解與對話。 #個展 #平面繪畫 #蠟筆

1999.9.21的大地震從破碎到重建，讓人體悟了生命的無常與堅韌。在廢墟中萌生新的希望，在斷裂中找到新的秩序與力量。延續2016~2020年「窯塑」創作，破裂與重組成為重要的語彙，2023年以「疊燒」技法重複堆疊與燒製，象徵時間層疊及生命不斷延續和蛻變。通過藝術的實踐，回應土地同時獲得療癒。將地震毀損的作品再創，重新賦予[陶器]新的生命，因而記憶的沉澱與重構，昇華了時間的情感與厚度。

由中華青年文化拓展協會策劃，集結來自不同地區與背景的青年藝術創作者，以「藝起。無界」為主題，共同呈現一場打破疆界的文化對話。作品涵蓋多樣工藝媒材，包括玻璃、陶瓷、漆器、竹編、銅雕等，展現青年創作者如何在傳統技藝與當代美感之間尋找平衡，並以創新手法重新詮釋中華文化的深厚底蘊。

「搖滾巴洛克」是程英斌藉由此次的師生油畫美展，一併將學員們於西洋古典繪畫與印象派習作，共同發表的學習成果。「巴洛克」繪畫其實是西洋於十七世紀時，發展如舞台劇的場景，並於瞬間凍結動態的畫面。而「搖滾」則是一種浪漫的情愫，於藝術家的情感和性格中，展現創作的趣味。將「巴洛克」和「搖滾」兩相結合，也就呈現從古典走到當代的搖滾風情。搖滾不只是形式，搖滾也是一種當代藝術裡的自在，藉由此次的展出，與觀眾分享我們的藝術哲學。

郭騰輝採油彩及複合媒材創作為主，以「吃人意象」、「蛻變意象」與「咒語意象」為創作主題，「吃人意象」乃針對社會案件的思索，採自由形象的手法，多元圖像的重疊，極自由的組合，不拘章法，呈現吃人的意象。「蛻變意象」靈感來自蝴蝶蛻變相關的圖象，立體多元的結構與媒材，突破單一畫面的傳統，呈現蛻變的意象。「咒語意象」以符號式的圖象、自動書寫性質，無拘無束地於畫面上噴灑著咒語相關的元素，無需解讀其意義，直覺地意會。

在新歲更迭之際，臺中市大墩文化中心迎來簡源忠教授的鑲嵌藝術創作展，帶來本年度展期中極「重量級」的平面創作，一系列以鑲嵌藝術為核心的複合媒材作品。看似粗獷的碎石與細磚，在俐落而精準的刀法之下，被細膩地敲製、排列、組構，於畫面中生成流動的節奏與層層交錯的光影，既沉穩又富於變化，令人不自覺地駐足凝視。 藝術往往是在時間的淬鍊之中逐漸生成的結晶。它記錄的不僅是創作者的生命軌跡，也映照出不同時代所留下的文化紋理與觀看方式。簡教授長期深耕鑲嵌藝術，自 1970 年代起投入相關研究與創作，遠赴歐洲研習古典鑲嵌技法，在嚴謹而紮實的工藝訓練中，建立起對材質、結構與節奏的高度敏感度。這樣的學養背景，使他得以在古老技藝之上，持續發展出屬於當代的視覺語彙，讓鑲嵌藝術不僅停留於技法層次，更成為一種思考時間與世界的方式。 《若水 靜謐而流動－簡源忠鑲嵌藝術創作展》是一場細膩鋪陳藝術、工藝與生活美學之間的重要展覽。本次展覽所規劃的「衷於初心」、「若水 靜謐而流動」與「時尚構成」三個系列，完整呈現藝術家從古典而華麗的意象出發，逐步走向自然意象、生命哲學與當代美學的創作軌跡。作品之中既可見鑲嵌藝術特有的節奏律動與結構層次，也能感受到藝術家與生活、與時間之間持續展開的對話，使這項古老技藝在今日依然保有豐富而細膩的生命力。 簡教授特別為了本次展覽全新創作的巨幅馬賽克鑲嵌藝術〈母親之河—麻園頭溪〉。作品以流經臺中市的溪流為題，將自然地景、歷史記憶與人文生活層層交織，透過850公分長幅的鑲嵌畫面，緩緩鋪展土地的故事與時間的流向，相當有意義。誠摯邀請市民朋友於展期之中走進展場，細細觀看簡源忠教授如何以鑲嵌工藝，讓時間在畫面中流動，並閃映出屬於這座城市的光影；也期待觀者能在層層細膩的堆疊之間，感受藝術所帶來的深遠迴響，並與作品展開一段屬於自己的觀看旅程。

本次聯展大都是會員近期畫作，作品涵蓋了水墨、油畫、水彩、書法等，在前任理事長黃國濱及現任理事長謝素珍帶領下，展出內容以日常生活及出外旅遊所見之情景，融合了人文藝術，以寫實或寫意之技法，呈現了多元性之畫作，且富有個人的創作理念，藉由此次聯展，學員相互觀摩，切磋學習，使往後在創作藝術上能更為精進。

「@ALL」是一個被按下的動作。 當手指落下，訊號被啟動，聲音在同一時間指向所有人。 話語離開起點之後，進入群體之中擴散、流動、停留， 在不同的位置產生回應與偏移。 承接、延遲與沉默同時發生，沒有先後，也無法撤回。 這些反應彼此疊加，如同漣漪一般向外展開， 逐漸形成一個不穩定的狀態場域。 群體在其中被重新組織，位置也在流動中被拉出。 在這個過程裡，按下的那一點並未消失，而是在擴散與回返之間，持續被指認、被顯影。

本次展覽以「公共敘事」為策展核心：學生從日常觀察出發，蒐集那些不一定宏大、卻真實動人的生活意象，可能是一張照片、一段文字、一種手感、一個節慶的味道，再透過影像、書寫、藍晒、陶作與文創商品設計等形式，讓個人的感受走向可交流的作品語言。

台灣天然染色創新協進會成立後的國內首展，以「舞顏蹓色」作為創作展覽主題。會員透過大自然給予的各種色彩，運用不同的技法，展現在多樣貌的作品上。 選擇在臺中市葫蘆墩文化中心展覽，因這裡是大部分會員接觸藍染及植物染的重要起點。它不僅提供友善環境，重視手作藝術的氛圍，並且著力於推廣傳統技藝的傳承。藉由展覽讓這份獨特的美學被看見、被欣賞，繼而被永續地傳承著。

2005年Google Map誕生，衛星影像成為日常視覺經驗，人類逐步習慣以俯瞰方式理解世界。 城市與地景被轉化為平面化的圖像結構，觀看看似更全面，卻同時抽離了身體經驗與時間感。 本展以「上帝之眼-由心觀象」為題，試圖重新思考觀看位置、記憶生成與地圖意象之間的關係。 法國哲學家 Henri Bergson 指出，記憶並非被保存的過去，而是在每一個當下因應心境與行動需求所重新組織的結果。 由此出發，地圖意象不再指向客觀空間，而成為心智重構經驗的視覺形式。 事件亦非凝結於瞬間，正如 Maurice Merleau-Ponty 所言，世界並非被觀看的物件，而是透過身體、移動與時間所經驗的場域。 然而，俯瞰視角亦隱含權力結構。 Michel Foucault 提醒我們，觀看從來不是中立的。 本展透過繪畫重新轉譯地圖，將去身體化的視角重新注入感性與主觀經驗。進一步而言，影像不再只是瞬間的紀錄，正如 Gilles Deleuze 所提出的「時間-影像」，畫面承載的是時間的沉積與思想的生成。 因此，這些地圖意象並非空間的再現，而是時間、經驗與心境交疊後形成的心理地景──一種真正由心出發的觀看方式 。

每日亮燈｜17:00－22:00（視氣候因素彈性調整） 活動地點｜屏東縣七座漁港（林邊水利村、枋寮漁港、枋山楓港、後灣漁港、紅柴坑、山海漁港、琉球新漁港） 情人節品牌活動「曖曖在海邊」，今年浪漫再升級，首次與全球知名《花生漫畫》合作，邀請史努比與好友們現身漁港，於2月14日正式點燈，展期至3月14日。 活動主題為 「甜蜜綻放」，將漁港化身為繽紛甜點樂園。甜甜圈、糖果、棒棒糖與夢幻甜點籠在光影中綻放，讓七座漁港成為療癒又浪漫的夜間藝術展場，邀請民眾夜遊漁港，感受屏東海岸的甜蜜藝術氛圍。 展區作品： 枋寮漁港：金載容-甜甜圈與史努比 楓港漁港：黃文全-甜夢花籠 後灣漁港：渡邊理-甜蜜史努比 山海漁港：金載容 -甜甜圈與查理．布朗 琉球新漁港：金載容 -甜甜圈與糊塗塌客 水利村漁港：黃文全-甜蜜管道 紅柴坑漁港：金載容 -甜甜圈與露西

本展以「創意人生」為題，回望蔡榮祐自1970年代以來與陶同行的創作歷程。蔡榮祐1944年生於臺中霧峰，1977年返鄉創立「廣達藝苑」，以窯火為志業，點燃半世紀未曾止息的創作之路。他的藝術根植於生活，從茶器、花器等日用陶出發，延伸至造形陶與「以陶造石」的實驗，回應自然、時間與內在心境。土的質性、火的淬鍊與釉色的流轉，在反覆燒煉中沉澱為溫潤而內斂的語言。展覽除展出73件陶藝作品與多本專輯外，亦呈現其早期繪畫、設計稿與攝影作品，並展出銅雕《重逢》，完整鋪陳其跨媒材的創作軌跡。邀請觀者走近一位以一生實踐藝術、在靜默中守護初心的陶藝家。

大河美術將推出群展《Hippocampal Overflow》，參與藝術家來自不同文化與世代背景， 包括美籍日粵裔藝術家 Michael Rikio Ming Hee Ho、英國藝術家 Penny Davenport、臺灣藝術家 RayHan、美籍日韓裔藝術家 ShingoYamazaki，以及加拿大籍臺裔藝術家 Yi- Shuan Lee，集體構築一則關於記憶失效、感知過載與自我安置的當代寓言，與我們共同提出這場時代診斷。 《Hippocampal Overflow》源自對當代藝術家創作狀態的長期觀察。回顧過去一年，從引發全球震盪的關稅貿易戰、戰爭與安全危機、東亞地緣政治的變動，到更貼近我們日常生活的 AI 經濟狂熱、社群媒體管制與禁令，以及年末令人遺憾、深刻撼動臺灣社會的攻擊事件——皆同時指向一種普遍而迫切的現實處境:我們正生活在一個資訊極速運轉、數位訊號無限疊加，情感與認知頻繁失衡的世界。當既有的集體敘事逐漸失效，荒誕如電影般的情節，或邏輯斷裂、難以言說的夢境，成為日常經驗的一部分。人們被迫退回更為私密的層次，從零散的感知、破碎的記憶與殘存的符號之中，嘗試重新編織意義，為自身尋找一處得以暫時安放的所在。 「Hippocampal」一詞來自人腦中負責連結記憶、情緒與空間感知的關鍵區域——海馬迴(Hippocampus)。它能在瞬間整合事件與感受，並於休息與睡眠中反覆重播日常經驗， 使記憶得以沉澱與轉化。其詞源結合了希臘語中「馬(hippos)」與「海妖(kampos)」的意象:半人、蛇形、尾如蠍——一種介於真實與虛幻之間的存在，既靜謐，也潛藏危險，如同夢境本身。如今這套記憶與情感系統，正承受前所未有的壓力。數位技術的高度介入，使人類與人工智慧的記憶彼此交錯;戰爭、移民與疫情的長期創傷，使集體情感徘徊於保存與流失之間;身分邊界持續被拆解與重組，氣候災難則迫使人類與萬物共享的記憶系統一同顫動、崩解。當海馬迴過載，短期記憶無法轉化為長期儲存，潛意識開始失序，現實與想像的界線逐漸模糊——幻想不再只是逃避的場所，而是溢出於現實之中，成為我們每日生活的鏡像。 《Hippocampal Overflow》中，展出藝術家以各自獨立卻彼此呼應的方式，在回望童年與神話，修補斷裂的集體想像層面;或透過動物與自然的凝視，映照人性的脆弱與矛盾; 甚至是將語言、物件與形式轉化為情感的容器，在文化漂流的狀態中尋找暫時的庇護等，回應了這種過剩現實所帶來的心理狀態。本展既是一種集體的神經反應，也是一場對記憶的修復行動。當第一層記憶系統宣告失效，藝術或許成為另一種持續記錄和對話，保留生存的可能。 大河美術此次選擇將邀請轉為開放，只因一個已然成形的現實——你我早已身處熟悉崩塌的敘事情境之中。當「海馬迴過載」被反覆宣告為我們的時代病徵，該如何自我救贖? 走進現場，與藝術家們一同從殘存的片段中重組意義，創造一則屬於自己與當下的神話。 #聯展 #油彩 #複合媒材

「馳騁書途．修行成藝 - 馬年典藏作品展」 馬年藝術靈感迸發！走進臺灣工藝文化園區工藝資訊館1樓「馳騁書途・修行成藝 - 馬年典藏作品展」，錫藝大師陳萬能《西遊記》系列活靈活現，孫悟空金箍棒揮舞、師徒取經歷險躍然錫作，跟林文義Q版漫畫超搭！ 木雕則有葉經義《蓄勢待發》馬蹄騰空、陳萬松《馬上封侯》英姿颯爽、黃國書《難行能行》刻畫堅韌，4組馬年典藏完美融合西遊精神與馬奔馳意象，讓你彷彿騎馬西行降妖！展期至2026年3月15日，親子快來朝聖，工藝之美療癒身心！

2026台灣燈會《歡樂打貓．光影民雄》，點亮嘉義第一片星空，燈區以「打貓宇宙四部曲」，呈現民雄在地歷史、農業、科技與運動精神的光影故事，並打造適合全齡共賞、親子共遊的熱門打卡新地標。

2026台灣燈會《歡樂打貓．光影民雄》，點亮嘉義第一片星空，燈區以「打貓宇宙四部曲」，呈現民雄在地歷史、農業、科技與運動精神的光影故事，並打造適合全齡共賞、親子共遊的熱門打卡新地標。

民國81年，邱美紀女士有感於早期弱勢照護資源不足，本著「服務弱勢、點亮心燈」的使命感，創辦了「心燈啟智教養院」，致力於提供身心障礙者優質的生活與成長空間。本次展覽延續創辦初衷，希望藉由藝術創作，打破社會既有的框架，讓身心障礙者獨特的才華與心靈，能以多元的形式被大眾看見、被社會理解，期盼每一位觀者在欣賞作品的同時，都能透過這場跨越言語的交流，體會到不同以往的生命感動。

《游牧的航線》以「游牧」為核心命題，深入探討人類在當代社會中的生存策略與思維模式，在充滿秩序與固定身分的框架內，展覽試圖引導觀者透過視覺體驗，進一步思考在變動不居的社會中，如何尋找存在模式的定義；同時在既定的結構裡，跳脫常規、找尋變化的各種可能性。 策展人陳永賢先生認為，藝術家如同在平行空間中移動的游牧者，藉由自身經驗的積累與事件的碰撞，將所見所感轉化為藝術語彙。 本次展出內容涵蓋人工智慧(AI)、錄像藝術、聲音裝置及繪畫等多元形式作品，旨在引領民眾探索如何在數位資訊過度主導的環境中重新定位自我，從而擺脫對既定模式的依賴，開啟一場關於生命航線的深刻對話。

「既視．界」，象徵跨越文化邊界時的熟悉感與共鳴。展覽聚焦於臺灣與澳洲的當代藝術，邀請藝術家透過繪畫、裝置、雕塑、影像及跨媒介創作，共同展 現兩地在自然環境、歷史文化、政治與藝術思維上的對話。 「既視．界：臺澳當代創作展」(簡稱「既視．界」)的主題源自於「既視感」 （Déjà vu，原文為法語，意思是：已經見過 already seen) ，屬於記憶中的現 象之一，呈現一種既熟悉與陌生之間的感知經驗，展覽結合歷史記憶、地方性 元素與社會議題，引導觀者反思自身的文化背景與記憶，體驗跨時空、跨文化 的對話，而透過空間的策劃與作品的呈現，觀賞體驗得以延伸至藝術家的文 化背景之中，理解藝術、文化與思想的異同，並重新思考人與當代藝術之間 的連結。 「界」不僅是地理邊界，同時也是文化的張力場域。臺灣與澳洲雖然相隔遙 遠，然其相似的殖民歷史與多元族群處境，使文化不再是單一的差異或同質結 構，而是在交流中產生文化混雜性。展覽作為一個「第三空間」，臺灣與澳洲的藝術不僅並置，更在交互作用中生成新的語境。 「既視．界」以「中西共鳴」為策展核心，探索跨文化、多維度的哲學與藝術 對話。策展作為思想與藝術的平台，除了呈現藝術作品，也建構觀者與作品、 文化與哲思之間的互動場域。東方哲學的形而上學、天人合一、禪宗美學，結 合日本侘寂，與西方現象學、當代藝術理論，形成一種同中有異，異中有同且 相呼應的共振迴響當代藝術。 臺灣和澳洲雖然處在不同的文化背景與歷史，卻同樣面對海洋環境、氣候變 遷與多元文化的交織。藝術家們以自身經驗出發，將土地、記憶、人文、歷史 或政治、環境生態的議題轉化為作品語言，形成既在地又跨域的美學實踐。展覽呈現的不僅是作品本身，更是一種在「熟悉」與「陌生」之間游移的觀看經 驗與共鳴。作品表達在地經驗，也開啟全球性當代藝術各種議題的對話。 而做為人的基本起點，在各自的環境與文化進程中，必然也會發生某種相似的 既視感經驗，這種似曾相似，但又各自統屬的發展，兩國當代藝術藉此國際聯 展衝擊碰撞出有趣的互動模式，感受藝術創作背後的理念、文化與美學力量。 在探尋、解析臺澳藝術家的當代藝術作品中，思索後疫情時代下，人文歷史、 生態環境、政治脈絡的關聯，並在中西哲學與現代、傳統美學的對話中，呈現 跨域融合的多元樣貌。展覽藉由臺灣和澳洲兩國在當代不同文化藝術上的交 流，從雙方文化差異與共通性中相互汲取經驗，拓展視野，進一步形成融合地 方性與全球性的藝術語言，透過持續的交流與合作，豐富彼此的藝術生態，促 進創新與知識共生。同時透過工作坊、導覽、對話與互動活動，讓觀眾可更深 度了解兩國當代藝術的文化創作力與內涵，以建立持久性的藝術生態網絡，進 而重新審視，並進一步探討未來當代藝術發展與永續創作模式的可能性。 參展藝術家：莊普、賴純純、郭博州、陶文岳、連建興、李瑋、黃贊倫、陳衍儒、蘇．貝克、布朗溫．班克羅夫特、布萊德．巴克利、海倫．海雅特－約翰斯頓、提歐．特里洛、關偉。