高雄市立美術館展覽

不僅是一位藝術家。陳正雄生涯中對藝術領域的貢獻絕非僅止於抽象繪畫，他是原住民與清朝服飾文物研究的學者藏家，同時也是抽象藝術理論撰寫的教育者，更是帶領臺灣藝術家們走向國際藝壇的重要推手。多重的身分讓陳正雄早早即開啟了當代在談論的「跨領域」，在藝術創作的理論與傳統收藏中，展現出他獨有的色彩跨界對話。 從1966年便開始收藏臺灣原住民服飾與文物的陳正雄，作品中奔放的飽和色調及抽象線條，似乎都能從其藏品來延伸出創作上的投射。1993年在參觀北京故宮博物院、瀋陽故宮博物院及大英博物館的過程中，他被宮廷服飾之美所震攝，也因而興起對清代宮廷服飾的購藏與研究。在梳理陳正雄與他的收藏中，最讓人驚艷的是他的抒情抽象繪畫與藏品間的高度連結，色系的對應就宛如當代設計中的色域思維，不僅建構出陳正雄作品中自帶的時尚感，更觸及了藝術家本人對於跨領域的成就與貢獻。 不僅如此，旅居巴黎的知名作家祖慰在為陳正雄撰寫傳記時即以《畫布上的歡樂頌》一書，來稱讚其所帶給觀者的喜悅，而筆觸中自然流露的音樂與流動性，讓陳正雄在創作的畫面中，皆染上四季的氛圍。於是，四時流轉，萬物生機交融於天地人間，無論市井喧囂亦或是內觀心性，總能適度展示出如春之新鬱、夏之嬌豔、秋之閑靜，或是冬之冷瑟的章節。 回到《陳正雄90大展－抽象畫家和他的收藏》展覽中，這次高美館以陳正雄的收藏帶出創作中所蘊含的「文化色彩」，我們不僅能從原民藏品中的海洋性，直接投射到陳正雄抽象繪畫中的「抒情海洋」，更能在他的《窗》與《數位空間》等系列作品中，看見書法與刺繡服飾間的線條呼應，他巧妙地以色彩突圍了東方元素，但卻在畫面中同時融合了西方抽象的精粹，就如同劉禹錫《董氏武砬集記》所提出的「境生子象外」一說：或許在我們體會「意境」的當下，感受到的正是陳正雄在創作上呈現出如史記的磅礡，但心領神會後，卻又能從其中看見被列傳所點綴出的璀璨時代。　

本展以「故事．集：說說典藏」為題，粹選本館典藏藝術家經典作品，集結藝術家創作思路、美術館蒐藏記事、藝研者導讀賞析，並行展閱經典於字裡行間。展覽期以作品故事的親善導賞，帶領觀眾由不同的觀看角度，多重感知本館重要典藏；透過閱讀故事而悅讀作品，促動觀眾走進典藏、走近藝術，共享藝術薈萃與典藏聚珍的甜實纍果。

當起點同於終點，漂流相對靜止。 歷史碎片穿透於空間記憶，轉化為身體記憶；壓縮的視線與身份匯聚成無聲的集體經驗。 當時間與空間的向度趨於模糊，自我的邊界亦隨漂流逐層剝離。這是一段對遷徙與歸屬的感官探索，在流動的記憶與歷史的回聲間重構軌跡。

本展聚焦蔡明亮過去十二年間完成的十部《行者》系列作品，展現其從劇場、美術館到電影院的跨界演變。展覽以穿越各地城市的十個銀幕為視聽主軸，融合紙張、鏡子等物件與銘刻經文的空間佈置，打造沉浸式的感官體驗。同時，「行者三生」專區匯集導演在創作「行者」過程中的草圖、表演物件、服裝及視聽檔案等，梳理系列作品的生成軌跡，延伸電影展覽的當代意涵。「行者十步：蔡明亮」宛如一場藝術的時間長征，透過反思當前加速度的世界，體現蔡明亮以慢走為電影修行的實踐，從而促成電影與美術館之間的對話。 The exhibition centers on The Walker series, a body of work Tsai Ming-liang has developed over the past 12 years, exploring the fluid intersections of theater, cinema, and the museum space. Presented alongside paper, sutras, mirrors, chairs, sketches, paintings, objects, and archival materials, an immersive visual environment is created through multi-screen installations. The section titled “Transformations of the Walker” offers insight into Tsai's creative process by displaying drafts, performance materials, costumes, and audio-visual archives. Footprints of the Walker: Tsai Ming-Liang reflects a long-standing artistic practice that challenges the pace of modern life, portraying Tsai’s slow-walking figure as a cinematic pilgrim and opening up a dialogue between film and the art museum.

本次創作論壇《繁花夢露—張立曄的靈光樂園》由黃志偉策劃，展覽主軸以「非科班出生即為素人」的疑問為起點，重新梳理藝術家張立曄的創作脈絡，其代表性作品貼近生活，並以明豔的色彩和稚趣的構圖來表現他內心深處對家庭、社會、自然萬物的深度感受。在展覽中，希望觀眾們藉由作品尋得內心的共鳴，重新找回兒時對世界純粹的好奇和心靈的悸動。 The current Forum of Creativity in Arts, titled “Ethereal Bloom – The Luminous Paradise of Chang Li-Yeh,” is curated by Huang Chih-Wei. The exhibition begins with a critical inquiry: “Does being self-taught necessarily define one as an outsider artist?”. The exhibition reexamines the artistic trajectory of Chang Li-Yeh, offering a fresh perspective on his creative language and evolution. Chang’s representative works are deeply rooted in everyday life, rendered in vibrant color palettes and childlike compositions. These visual strategies express his profound emotional connection to family, society, and the natural world. Through this exhibition, the curatorial team invites viewers to resonate with the artist’s inner world, rekindling the innocent curiosity and heartfelt wonder with which we once viewed the world in childhood.

本展從「動物友善與環境永續」議題，探討動物與人的情感關係，透過藝術創作與互動教具，從想像和繪本的擬人化動物、被馴化、豢養的寵物、台灣瀕危野生動物，以及周遭特有野生動物等，期待孩子能用更多同理心，去理解動物的感受與需要，共同營造一個對動物友善的生活環境。

李德與熊秉明，是二十世紀極具代表性的文人藝術家。分別出生於1921、1922年，兩人同屬戰亂的一代，卻因人生選擇而走向不同的藝術旅程。李德於1948年來台，從此深耕於台灣，從事創作與教學，尤其在美術教育方面影響深遠；熊秉明於1947年公費赴法留學，自此長居巴黎，成為享譽國際的旅法華人藝術家。兩人皆具深厚的文學與哲學素養，並在藝術實踐上不斷探索東西方文化的交融與突破。本次展覽以「相忘於江湖」為題，取意於莊子典故，象徵他們雖身處不同文化脈絡，卻在藝術的世界中相互映照、共鳴。 Read Lee and Hsiung Ping-ming are among the most representative literati artists of the 20th century. Born in 1921 and 1922, respectively, they emerged from a generation affected by war, yet their artistic paths diverged due to the life choices they made. Lee relocated to Taiwan in 1948, where he established deep roots as an artist and educator, significantly influencing the landscape of art education in Taiwan. In contrast, Hsiung received a government scholarship to study in France in 1947 and permanently settled in Paris, becoming a celebrated French-based Chinese artist who achieved international recognition. Both artists possessed a strong foundation in literature and philosophy, continually exploring the integration and breakthroughs between Eastern and Western cultures in their artistic practices. This exhibition, titled Diverged Paths, Shared Resonance, draws inspiration from a story in Zhuangzi, symbolizing how both artists’ works, though shaped by different cultural contexts, resonate and reflect one another within the art world.

內惟—此地，彼時，咱的代誌 三百年來，內惟從農耕聚落轉變為城市社區，其歷史活潑鮮明地鐫刻在廟宇、巷弄與市場交談中。本展覽透過藝術創作，交織過去與現在、內惟與外圍。 定居臺灣的荷蘭藝術家帕斯卡・凡德葛瑞夫(Pascal VAN DER GRAAF)以折疊畫布與金屬漆，模擬時空的多重維度；莉莉·德邦特(Lily DE BONT) 的《圓之迴旋》象徵歷史的循環與記憶的再現；陳穎亭《出生的禮讚》以鏽染嬰兒單衣象徵新生的希望與活力；林青恩(Holly JAMES)透過動畫生動描繪內惟的歲月痕跡；尤瑪・達陸 《文化的旅程》透過編織承載遷徙記憶，展現族群文化的流動與凝結；鄭秀如 的《詠物》則透過日常物件喚起情感記憶。這些作品與內惟老照片並置，使歷史與當代產生視覺對話，勾勒內惟的多重時空。 本展覽更邀請觀者成為時空的編織者，重新發現自己—因為「找到」，從來不是等待，而是創造。 Neiwei: Here, Then, Our Stories Over the past three hundred years, Neiwei has transformed from a farming village into an urban community, with its history vividly embedded in its temples, alleys and market conversations. Through artistic creations, the exhibition interweaves the past and the present, Neiwei and its periphery. The Taiwan-based Dutch artist Pascal VAN DER GRAAF employs folded canvas and metallic paint to simulate the multiple dimensions of time and space. Lily DE BONT’s work, Circle Parts Rotating, symbolizes the cycle of history and the representation of memory. A Tribute to Birth by Ying-Ting CHEN uses rust-dyed baby singlets to embody the hope and vitality of new life. Holly JAMES vividly depicts the traces of time in Neiwei with animation. Through weaving, Yuma TARU’s Journey of Culture bears the memory of migration, featuring the flow and cohesion of the ethnic culture. Image of Things by CHENG Hsiu-Ju focuses on everyday objects to evoke emotional memories. These works are juxtaposed with the old photographs of Neiwei, fostering visual dialogues between history and the present and representing diverse temporal and spatial dimensions of Neiwei. The exhibition also invites viewers to act as weavers of time and space, and thus to re-explore themselves. It is because “finding” is never a matter of waiting, but of creating.

「大南方多元史觀特藏室」為高雄市立美術館自2019年起，藉由新型態美術館的空間改造，重新定位美術館與全球藝術史的鏈結所推出的策展計畫。本計畫重新盤點美術館的典藏作品，建構從地方到全球的藝術典藏與研究脈絡，歷經首部曲《南方作為相遇之所》與二部曲《南方作為衝撞之所》，2024年推出三部曲《珍珠—南方視野的女性藝術》，透過策展重新梳理美術館典藏作品的文化底蘊，再創跨文化的新視域。 《珍珠》Part I由本館與新加坡國家美術館、新加坡美術館共同策劃，以「南方」所匯聚的多元背景下代表性的女性藝術家為策展主題，關注邊緣化的歷史、性別、地理與藝術實踐，書寫多元且扎根於土地的故事，呈現了過去近三十年來臺灣與東南亞具開創性的女性藝術家創作，呈現當代女性藝術多元及繁盛紛陳的創作面貌，紀錄著女性視角下，小至個人、大至家國的生命歷程至今仍不斷帶給世人們的啟發。《珍珠》Part II，展覽架構延續Part I的四個主題：身體風景、療癒之方、遷徙與安棲，以及非人類與生態，聚焦高美館典藏品，共展出31位跨世代、跨媒材的臺灣女性藝術家。 中文展名「珍珠」—命名靈感來自紀錄文學《印尼etc.：眾神遺落的珍珠》的中譯名，象徵著展出的藝術家們，如同來自南方海域的閃耀珍珠，從南方折射世界。英文的展名採用了東加詩人艾裴立．浩歐法（Epeli Hauʻofa）提出「海即我心」（Ocean in Us）的概念。呈現跨越海洋、島嶼邊界的文化共同體，展現仿如海洋流動的思惟和多元匯聚。 本次展出體現了這樣的海洋世界觀，藝術家自在地從身體內在微觀、個人的私密記憶，或來自日常的愛、挫折與希望，批判性地挖掘被忽視的性別視角、生態、遷徙與藝術物質性的重要性。這樣的世界觀也回應了人類世的迫切需要，從以人為中心的視角轉向與環境共存。隨著藝術家，我們遊走在現實與想像、傳說與夢境間，反映著我們所生存的世界和其無盡的精神性。本展邀請觀眾走入女性藝術家的宇宙，理解她們在仿如大海島嶼的生命境遇中，憑藉勇氣、想像力與開放性，迎接生命的波濤與潮流。

《LEARPRINT 內惟聲響實驗-65聲道的交響體驗》是法國音場設計與聲學創作人—阿蘭•馮榭（ALAIN FRANÇAIS）所作，乍看下為一顆顆純白簡樸的音箱組成，似乎不足為奇。但當你走進音箱之間，將感知到每種樂器無比清晰的聲音。每個音箱猶如一件件樂器真實地在耳邊演奏。與一般聆聽數位音樂不同，更多了立體及空間環繞之感，翻轉大家以往的聽覺體驗與享受。 高雄為台灣少數同時擁有中、西兩個樂團的城市，2016年阿蘭•馮榭至高雄為高雄市交響樂團與高雄國樂團錄製了近15首樂團曲目。國樂與西樂在編製與樂器音量表現上大有不同，這項差異激發了他產生許多創意與挑戰，將音箱技術翻轉成為藝術展演。讓觀眾跟隨自己的好奇心，抬起步伐，穿梭於65顆音箱，捕捉每件樂器特定音色和位置，彷彿就是樂團音樂家的一員。 現在，來內惟藝術中心除了欣賞展覽、找尋歷史循跡，品嘗美食，現在更將掀起一場音樂革命！《LEARPRINT 內惟聲響實驗-65聲道的交響體驗》打破了以往演奏者、觀賞者的身分界線，觀者不再只是遠遠的眺望，如同內惟藝術中心打開藝術與生活的藩籬，創造更多日常美學新體驗，邀請大家一起駐足於音箱之中，來一場前所未有的美好聆聽饗宴！