臺北市立美術館展覽

「雙鉤廓填」，取自古代書畫摹本的技法。「雙鉤」，用細勁墨線鉤勒字形輪廓，「廓填」，以墨填充其內。此一技法強調形式上的描繪與內涵上的填實，其本質即是「結構」與「內容」之間的共構關係。藝術家借用這一古典手法，不只是回應書法技藝的歷史脈絡，更透過此術語轉化為一種當代藝術創作的概念模型。這個模型意味著：對於當代社會各種表象的描摹（鉤勒），以及對其內部空洞、荒謬或重複問題的批判與填補（廓填），從而形成具有批判意識的藝術語言。本展旨在思考書法於當代的語彙與形式，探索其在生活脈絡中的流動與再生，並激發觀眾對「書寫」更開放且具想像力的體驗與認知。

彭弘智的創作核心關注宗教、文化、權力與身分的交錯關係，擅長運用幽默與象徵手法，挑戰觀者對社會結構與信仰體系的既定認知。他著名的《犬僧系列》作品中，透過狗的形象書寫宗教經文，探討神性與動物性之間的界線與轉換。 其創作風格融合東西方文化元素，透過多重媒材與符號的交錯，呈現對當代社會與人類處境的深刻反思。 本次個展聚焦在他近期的跨領域嘗試：劇場界有許多已逝或英年早逝的英才，例如:田啟元（1964-1996）、陳明才（1961-2003）、周逸昌（1948-2016）等。他們對台灣的劇場界都有深遠的影響，都是開拓者的角色，可惜好像有很多應該接下來要完成的作品或事業沒有 辦法完成就離開了。他非常渴望知道這些英年早逝的英才是否有所遺憾，是不是有未完成的作品想要幫忙繼續完成?所以思考是不是經由靈媒或觀落陰的方式可以把他們找出來，問他們有沒有要完成的劇本或故事，讓我們還在現世的後輩可以幫忙完成。一開始是黑白的紀錄片，記錄著探訪靈媒的過程，問這些靈媒他們三位有沒有未完成的作品。並且跟這三位亡靈討論這個作品要如何繼續發展，後面是彩色的影片，依據訪談後結果的一個表演作品。這是跟逝去亡靈的共同合作，最後根據他們所想要做的來完成一個新的電影和裝置。

時代有其意志，人們為時代的輝煌奉獻、為集體的悲傷共鳴，但我們需要的不是大局，而是時間。我曾決定讓《時差書寫》每數年剪接一次，以致有2016、2019、2021版本，讓我每數年回看政治激情與自我心境的變化。但近期，我發現我的行為是在說：「我希望，我的未來可以回去，回去那個性暴力之前。」我們同理、一起承受替代性創傷，卻在這些替代的傷痛中，隱藏與忘記自己。 近年，我終於在#Metoo運動裡，把十多年前做《海浪》時的經歷說了出來。甚至，因作為另一起性騷擾事件的發聲者，我看見了《時差書寫》某位受訪者的另外一面。或許因為這些經驗，這兩年我身體開始有一些病痛，也已經無法如同過往，緊緊的記憶、肩負與衝撞。 或許這個展覽，我試圖給一個夢「後」的時間——創作，是浦島太郎逛了海底神宮，寶盒被放映，我卻摀住了臉——那不僅是你我同在一個現場的羞怯，也是在「現在」這個未來，對辯證變化感到的畏懼。作為創作者，如同許多需要目睹、專述痛苦的記者、人文學者⋯我們試圖臨摹、貼近經驗，也僅能發出力求失真的嗓音。甚至，我們正在這些層層疊疊身份結構與自己苦痛的混沌之上，跳舞、唱歌、力求失真的走音。

不發音的字母成為構成單字的必要元素，卻在聲音中隱形了起來。 默默的在此，試著從視覺中發音。 日常生活裡，有形的東西衡量著我們周遭，講求明確與功能，被定義指向。 展覽裡透過物件與材料拼組構作，讓它們從切片與局部中延展開來。 像是翻閱書本，同時給了新的夾角， 扉頁，翻閱，才是內容的開始，一個換氣點與開始發聲。 因為這個空格，而有了連接與由此進入的邀請。 翻閱165頁的厚度，讓單位成為切片單字。 動作的翻閱，有了對於厚度的感受。 接觸與疊加，同時保有著直接與模糊。 不同視角看待單位，讓它更自在的在不同對象上。 物件、材料本身具備著被雕塑的潛力，此時此刻材料讓我有了虛構的可能。 物件、材料等媒介物，延伸投射，在空間裡成為不完整的句子。 開採，挖掘，飽和溶液，單字、物體、材料、草稿。 基礎材料，相遇加工，不可避免地留下痕跡。 破皮，少了敘事，夾雜著，有餘裕的虛無。 單字、單位，試著練習發音。 也讓所處當下的我可以保持在沒有明確的指涉下，留下些微。

關於場所 「輕盈」 南進門藉由玻璃及鋼構透露出一種「透明」與「渾厚」之間的差異，儘管那建構本身只是北美館本體建築的附著物看似「輕盈」，但有一種輕盈具有象徵意義，南進門作為匯通北美館的路徑，呈現精微時間流動的「輕」更是豐富。那具體存在之變化和堅定而穩固的建築，這條路徑使得人的角色成了物質隨機變化，小小的變動，眼前的事物都變得輕盈。這樣加了許多輕盈的意象：白色的空間、流動的時間、流動的事物，以及無聲靜謐的空氣。這個場所是不是滿滿的蠱惑，是不是交織了很多條的線索？ 「新奇」 循著這條思路，因而幻想創造一個包羅萬象的場域：二個長廊各據一方，假設以一黑一白的空間形態為論述成形：雲朵般的白色長廊，彷彿失重消融空間的堅實感。另一頭的黑色長廊以不一樣的角度、不同的邏輯來看待一個我們所生活的世界，是有關現在和未來的現實⋯⋯我們總是需要為世界創造出更新的故事，總有新的途徑等待探索。在其中，導向對於一切新奇事物的感受，是關於物質世界的事物，但是通過情境裝置，嘗試連結上無限微渺、輕盈、機動的事物的感受。 「路徑」 黑與白二個空間可以解讀許多路徑，它們是多孔的、向外開放的，能兼容每個人的慾望及所有恣意放肆與歧異之見，而令人驚奇不已。如果有一條路徑是進入理性思維的心智空間，在這裡得以探索交錯的直線、陽光的投影、形狀、空間的向量。另一條路徑則通過場景所建構的空間，並藉由文字來嘗試創造出一個等同於那個可以言說和不可以言說的總和的空間。這兩條途徑投射出自然世界和想像世界裡真有其事的現實，我們不斷地在這兩條路徑之間來回變換，以一個人能夠渴求的所有欲望述說這裡的事物，總是含有相當數量的訊息相互混雜。 「空間、時間」 「——如空間有幾何學，時間有心理學。」《追憶似水年華》以著名的〈斯萬之戀〉開卷，在回憶與想像之間穿透相輔相成。1空間是一個有形的介殼，如果把它的物質力量加諸於抽象的時間之上，就會意識到我們藏身在某個角落、某個時間裡漫遊、逗留在記憶與想像之間。我們喜歡藏匿在物理形體上的每一吋，丈量著時間，無論是喧囂、寂靜：遠處有著濃濃的書香和咖啡香、音樂緩緩流瀉、綠色植披散發著沈靜安定的氛圍、浮光掠影如羽毛般輕盈、ㄧ個刻意的黑與精確的光這種矛盾組合，可能表達我們的理性思維和場所之糾纏⋯⋯ 南進門這個難以被定義的場所，可以精確的分為兩個方向：它是有形有體的物理空間，它也是一切抽象事物的載體，呈現事物可感知的層面。我們嘗試賦予場所最細微的元素如事物的重量、空間的量度、真實可感、知性思索、形體與官能，直到淬煉出場所本身的精純度。我想，場所意味著超越機能主義所賦予的定義，因此作品所構成的內容最終都與這裡每一個要素所具有的意義不可分離。例如陽光、雨天、風從大片玻璃窗融入的片刻，再真實不過，它們將這個空間變得具象而散發出一種官能性。在這裡，時時刻刻都有它們自己的樣子，或許是其他空間的樣子？每個場景都是一個序幕，錯過了，就進入故事的篇章。 可以說環境就是作品的一部分，這個「場所精神」揭示和作品在其中的結構整體既有主觀的一面也有客觀的一面。如果想像把作品部署在以精神為基礎的場所，這是極關鍵的細節，人與人、人與環境、人與周遭發生的事件，呈現的事物就越細微，每一個構成的意義也就越豐富。簡言之，把場所作為能夠影響作品的東西，而向外部開放。重要的是，它可能意味著是虛幻的，或者是不可理解的，和真實的、可理解的相對。 關於空間 現在，我必須轉向空間問題：跨學科思潮打破展覽場域作為物件陳列空間的空間機能，取而代之的是什麼樣的獨特場域。南進門之所以有其魔力，且不在乎空間上侷限的原因，就是來自它擁有灰色空間的擴延特質：它的輕充滿活力與勁道，它的空間本身給予我們一種無限的想像，那種純粹的場所感所衍生出來的某些特殊性質，反而去凸顯物理空間與心理空間的關係。 非池中藝術網一篇專文裡，作者提及倫敦白教堂美術館 (Whitechapel Gallery) 館長Iwona Blazwick，曾於2007年文章表達對展覽空間的觀點：「同時是一張可滲透的網絡、一個黑盒子、一個白盒子、一座殿堂、一間實驗室，甚至是一種情境。」美籍藝術史學者畢莎普(Claire Bishop)以「舞蹈展覽」為例，將這類展覽解讀為“灰色空間”，它因表演而存在，是實驗劇場的黑盒子和美術館白立方(白盒子)的歷史性融合。她表示：「…灰色空間的特性之一就是社交媒體：智能手機成為觀眾不可或缺的一部分了，部分則因為舞蹈展適時地出現（並興盛）於這個無所不在的移動設備支配生活的年代⋯⋯」2 就像我試著說明關於場所的陳述，南進門記述一個拒絕精確定義的空間，它呈現在我們心中的，是一個可以相互滲透的空間。在那裡，我們容許創造力和想像力的對撞，令我們自在而輕鬆。依此脈絡，在此發生的展覽有一個主體，但更像是有機體：作品、相關場域以及物質性的承載與轉譯，就像「生成」這個字義，因此還帶有衍生和變化的意味，同時以一種「未完成」、「待續」的方式存在。所有那些「非比尋常」最細微的狀況和不同的物質等待著我們用眼睛、耳朵以及其他感官去抓住最細微感受。 關於作品 因此，藉由「場所」的概述，安置了黑與白二個空間作為展覽的敘事結構，確定陳慧嶠的乒乓球系列和發條鼻子結合環境的浸淫式裝置二件作品。陳慧嶠用「顏色」在白色空間裏傳達一種單純知性的東西，讓場所揭露了它的「輕盈」。發條鼻子建構一個全黑的空間，通過影像、人造光以及從縫隙透進來的自然光源透露出被確實執行裡所指涉的陳述。展覽主題暫定為《我們總是需要為世界創造出更新的故事》，試圖營造一種單純的知性與純粹的感性，這兩個範疇在意識型態上是針鋒相對的，但二者出人意表地發展出某種形而上的對話。 但是，關於這些陳述，到目前為止還是很抽象，我都談了什麼？我的想像對象是什麼？我的意圖想描述什麼？我是否有改變方向？總之，一切部署都仍處於無限制陳述的階段，以證明我那個天真的想望：盡其所能地讓觀看者從知覺到視覺意識到他們自己可以引發和改變某種情境，並將有能力自主行動。 關於多巴胺 我可以明確說明所謂的展覽主題，更精確的說是什麼論述實踐。一開始，我對場所表達一個觀念、一個慾望、一個形象，在將論述形成與它們描述的陳述連結起來後，我開始往外去尋找這些陳述的使用：我可以透過它們發現什麼？它們對陳述場域和強調場域的形成構成分析時，作品的要求是什麼？需排除的是什麼？問題不是質疑陳述的形成，過程中有必要提出關乎自身限制，比如說是建築體、空間、環境等特定性問題，因此反向分析是不可避免的。反向分析就是提出若干命題往外去思考文本、命題本身的定義，從語義、邏輯到心理層次一一去尋找。 在研究陳述時，「不確定」和「無限」不斷出現且相互參照，這導向無限延伸的概念，以類似無止盡的觀點來看待事物，非常令人著迷、亢奮。但不確定的、模糊的無法精確而清晰地藴育構想的東西也展示它的力量，令人感知到痛苦、困惑。我並不想在這裡討論個人心理層次的轉折，而是要談多巴胺。 「從多巴胺的角度來看，⋯⋯，欲望是上癮的驅動力。」3或許欲望就是做展覽的驅動力，它呈現在表現、認知和想像等方面的潛在性，所以令人上了癮頭。科學家說多巴胺(Dopamine)是人腦中會讓人感到快樂的化學物質，它是屬於神經傳導物質，透過神經突觸傳遞。當人們吃到美味的食物或是聽到喜歡的歌曲時，多巴胺會產生並使人感到愉悅。多巴胺還會參與大腦的獎勵系統，當人們獲得獎勵或是在努力過後實現回報時，多巴胺會飆升，讓人們感覺到快樂並且上癮，因此更有動力繼續克服困難、向前邁進。 產生多巴胺的細胞只佔大腦的0.0005%，但這是我們用來探索世界的一小群細胞。我們認同我們的多巴胺：享樂主義者、藥物成癮者、愛情成癮者、藝術家⋯⋯，不論是人生在追求更多的同時得到更多的回報、深思熟慮的選擇、最大化我們所認為美好的事物、人如神一般的力量創造真與美之物，這就是多巴胺，多巴胺是傳遞信號的小指揮，無論是好的或是壞的。 在南進門，我們把自己的本質和多巴胺迴路聯繫起來，我們能抬起頭看看外面的天空、聞到空氣、品嚐眼前的景物，還是漫不經心的穿過現實世界沈浸在幻想世界⋯⋯在那裡，我們的世界可以成為自我陶醉的天堂，驅動我們的創造力與想像力。但我們也可能徒勞無功，只是任由欲望馳騁，想要更多，一切都在不停地運轉。我想做一個能驅動我們全部感知的展覽。很快的我們的多巴胺迴路會告訴我們欣賞眼下的現實，享受它們無限的複雜性，享受我們擁有的，這是有史以來最好的事情。

我們每天的生活中，總會留下各種痕跡。像是床單上的皺摺、地板上的腳印、揉成一團的紙，或吃飯時滴在衣服上的醬油。這些微小的印記，就像生活的小日記，記錄著我們剛剛做了什麼。 痕跡看似若有似無，卻經常吸引藝術家的目光。他們透過創作，把那些看不見的情緒、稍縱即逝的感受，或日常中被忽略的片段，轉化為能被看見、觸摸、重新感受的形式。這些作品，是他們與世界對話留下的線索。本展邀請三位藝術家——戴爾芬・普伊耶、蕭禹琦與劉書妤——呈現五件作品與兩件委託創作，帶來嶄新的觀展體驗。每件作品都以獨特方式回應一個提問：我們做過的事、感受過的心情，可以留下什麼？又能如何表達與分享呢？ 展名「痕跡悄悄話」以故事性的語感，將抽象概念轉化為具象經驗，貼近兒童的感知。它引發觀眾好奇，引導大家發現那些微小卻富含意義的線索，去「聽見」痕跡藏著的訊息。歡迎走進藝術家的創作，一起發現潛藏其中的故事與感受。 除了欣賞作品，觀眾也能透過遊戲與創作，親身體驗痕跡的多重樣貌。在這些互動中，也許你會發現：原來那些從心底浮現的記憶，也正悄悄成為你自己的生活日記，留下一筆專屬於你的痕跡。