基隆市文化觀光局展覽

由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」，首次以策展人身份登場，邀集英國、法國、日本、泰國以及台灣等十位當代藝術家，經典舊作與全新委託創作，展出28組作品，透過多重視角切入本展主題，共同呈現《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》。 在社群媒體推播與演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們看到的從來不是我們真正想看的；而，觀看早已不只是「看」而已──它是表演、是身分的再造、是群體與個體的角力場。展覽試圖回應當代最迫切的問題：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？「我」與「我們」的界線，究竟如何被生成、被消解？當「WE」置於鏡面之上，反射出的既是「ME」，又是無數被轉譯的身份與場景：觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。 策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」，指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌，在群體的凝視中成為「我們」。副標「我（們）到此一遊」，回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。 本展視覺設計，邀請台灣設計師聶永真操刀：畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？本展也發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集。而離開展場後，觀眾所帶走的明信片，仍作為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。 參展藝術家： 首度來到台灣的美術館展出之英國當代重磅藝術家 瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默的觀念重新轉化日常物件。作品《同理心是一種超能力嗎？》將稚真問句印在巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面兒童般純真提問。 泰國藝術家 納溫·努通（Nawin Nuthong）同樣從兒童視角切入展覽主題。他以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，為基隆城市與本展打造新作《4−6位紙鈔上的孩子 (八件)》：作品以台灣千元鈔券的隱藏人物為切口，並結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲 (play/game)、童趣與批判性。 另一個重量級的藝術家 卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），是第 55 屆威尼斯雙年展銀獅獎得主 。她的成名作《極度疲憊》首次於台灣展出。該作以電腦桌面為舞台，重組史密森學會典藏與網路素材，揭示資訊過載如何影響我們的感知方式與知識學習。該作品被視為後網路藝術的始祖，現典藏於 MoMA。 台灣藝術家 鄭先喻 與日本藝術家 山內祥太（Shota Yamauchi）的作品，也回應了科技社會與人類情感行為的連動性。鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界。山內祥太的新作《Being… Us?》，透過 AI 光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。 台灣藝術家 陳怡潔 以轉化動漫人物的色彩聞名，作品反映出大眾文化如何建構時代記憶。新作《連合島漫遊》，觀眾最具情感連結的動漫角色，被提煉其色彩並轉化為多格抽象圓盤、放置在海港城市的場景中，展開群體共創，呈現網路時代共享記憶的軌跡。 日本藝術家 YANG02 探索著科技表象下的社會與倫理議題。作品《永久的暫時性》，透過無價值判斷的自動導引車（AGV），將隱蔽幕後的佈展過程公開，反思便利性背後的資本機制。該作曾於東京森美術館及白南準藝術中心展出。新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，藝術家將高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」所帶來的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。 展覽也延伸到「感知」層面的探索。台灣藝術家 謝佑承 以光影裝置檢視影像生成的本質，《大幕》與新作《雨點》營造兼具真實與幻象的沉浸空間。與此並行，陳松志 的《無題-KEE》讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上，足跡化為記憶殘留，時間在身體的移動中被具象化。吳美琪的攝影裝置《禮物 II》回顧她的十年創作，透過影像與物件捕捉生命瞬間，構築交疊現實與想像的感知宇宙。 策展人 法咪咪 FAMEME (b. 1983) 法咪咪的跨領域身份遊走在名人、商人、設計師及歌手之間，用幽默的跨界合作，探討資本及網路世界對「慾望」的想像與建構。2019年起他的足跡遍佈全球，先後於紐約的「榴槤美術館」、首爾的「榴槤健身房」，再到台北的「榴槤製藥廠」及「法咪咪快閃店」一步步拓展事業想像，同時化身歌手推出過中文單曲「Charlie的叭叭洗澎澎」及日文單曲「Fancy Fantasy!」。近期晉升音樂品牌社長與混血歌手合作，於東京都現代美術館發表「THORNITURE」。 法咪咪天馬行空的跨領域共創，思考著對多元文化、身份及觀點的交融與實踐，「We are Me」將為他首度跨入策展的首個計畫。

由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」，首次以策展人身份登場，邀集英國、法國、日本、泰國以及台灣等十位當代藝術家，經典舊作與全新委託創作，展出28組作品，透過多重視角切入本展主題，共同呈現《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》。 在社群媒體推播與演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們看到的從來不是我們真正想看的；而，觀看早已不只是「看」而已──它是表演、是身分的再造、是群體與個體的角力場。展覽試圖回應當代最迫切的問題：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？「我」與「我們」的界線，究竟如何被生成、被消解？當「WE」置於鏡面之上，反射出的既是「ME」，又是無數被轉譯的身份與場景：觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。 策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」，指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌，在群體的凝視中成為「我們」。副標「我（們）到此一遊」，回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。 本展視覺設計，邀請台灣設計師聶永真操刀：畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？本展也發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集。而離開展場後，觀眾所帶走的明信片，仍作為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。 參展藝術家： 首度來到台灣的美術館展出之英國當代重磅藝術家 瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默的觀念重新轉化日常物件。作品《同理心是一種超能力嗎？》將稚真問句印在巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面兒童般純真提問。 泰國藝術家 納溫·努通（Nawin Nuthong）同樣從兒童視角切入展覽主題。他以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，為基隆城市與本展打造新作《4−6位紙鈔上的孩子 (八件)》：作品以台灣千元鈔券的隱藏人物為切口，並結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲 (play/game)、童趣與批判性。 另一個重量級的藝術家 卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），是第 55 屆威尼斯雙年展銀獅獎得主 。她的成名作《極度疲憊》首次於台灣展出。該作以電腦桌面為舞台，重組史密森學會典藏與網路素材，揭示資訊過載如何影響我們的感知方式與知識學習。該作品被視為後網路藝術的始祖，現典藏於 MoMA。 台灣藝術家 鄭先喻 與日本藝術家 山內祥太（Shota Yamauchi）的作品，也回應了科技社會與人類情感行為的連動性。鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界。山內祥太的新作《Being… Us?》，透過 AI 光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。 台灣藝術家 陳怡潔 以轉化動漫人物的色彩聞名，作品反映出大眾文化如何建構時代記憶。新作《連合島漫遊》，觀眾最具情感連結的動漫角色，被提煉其色彩並轉化為多格抽象圓盤、放置在海港城市的場景中，展開群體共創，呈現網路時代共享記憶的軌跡。 日本藝術家 YANG02 探索著科技表象下的社會與倫理議題。作品《永久的暫時性》，透過無價值判斷的自動導引車（AGV），將隱蔽幕後的佈展過程公開，反思便利性背後的資本機制。該作曾於東京森美術館及白南準藝術中心展出。新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，藝術家將高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」所帶來的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。 展覽也延伸到「感知」層面的探索。台灣藝術家 謝佑承 以光影裝置檢視影像生成的本質，《大幕》與新作《雨點》營造兼具真實與幻象的沉浸空間。與此並行，陳松志 的《無題-KEE》讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上，足跡化為記憶殘留，時間在身體的移動中被具象化。吳美琪的攝影裝置《禮物 II》回顧她的十年創作，透過影像與物件捕捉生命瞬間，構築交疊現實與想像的感知宇宙。 策展人 法咪咪 FAMEME　(b. 1983) 法咪咪的跨領域身份遊走在名人、商人、設計師及歌手之間，用幽默的跨界合作，探討資本及網路世界對「慾望」的想像與建構。2019年起他的足跡遍佈全球，先後於紐約的「榴槤美術館」、首爾的「榴槤健身房」，再到台北的「榴槤製藥廠」及「法咪咪快閃店」一步步拓展事業想像，同時化身歌手推出過中文單曲「Charlie的叭叭洗澎澎」及日文單曲「Fancy Fantasy!」。近期晉升音樂品牌社長與混血歌手合作，於東京都現代美術館發表「THORNITURE」。 法咪咪天馬行空的跨領域共創，思考著對多元文化、身份及觀點的交融與實踐，「We are Me」將為他首度跨入策展的首個計畫。

今年的「光耀基隆．點亮港灣－基隆400系列活動×MR.SHARK」正式登場！ 整個基隆港灣與田寮河沿岸，都能 邊走邊看、邊拍邊玩，一路發現不同造型、不同姿態的鯊魚先生！ 以城市光帶、藝術裝置與人氣 IP「鯊魚先生」打造港都的節慶風景， 「愛與和平」是我們的主題，迎向2026年「流動的港口・世界的基隆」的城市精神。 美術館前廣場－鯊魚先生家族大集合 在美術館前，令人驚艷的巨型3D鯊魚先生＋全體 IP 角色家族，在海風中盛大迎賓！融合海港文化與馬年元素，超適合親子互動與拍照打卡，是港區最新的節慶亮點地標。 六米高的鯊魚先生LOVEandPEACE看好看滿 點燃2026的鯊騎馬 結合煙火、彩虹與星光等光影語彙，象徵邁向新年度時的熱情與希望。鯊魚先生手持星星棒，跟你一起點燃夢想，迎來新年希望與好運！ 浪漫滿分拍照座 金雞橋－走向廟口的光之甬道 橋上的光之甬道與各種閃光美食造型，帶你一路走向廟口與夜市，體驗最道地飄香的基隆夜生活。 金雞橋旁光耀廊道－世界的朋友都到了 穿越多國語言的「新年快樂」霓虹字樣 #世界的朋友都到了 有海風有傘海，還有坐姿鯊鯊、撐傘鯊鯊，給你最基隆的擺拍場景。 走進港灣、走上河岸，沿途有星星串燈、藝術光景，一路看見港都四百年的文化、故事與海港魅力～

基隆市文化觀光局與雞籠文史協進會共同推動的「仁愛區庶民記憶採集計畫」歷經數月口述訪談、資料彙整與內容研究後，以成果特展《一店一時代》呈現給市民。邀請市民一同走進仁愛區的生活史場景，感受城市記憶的深厚底蘊與情感溫度。 仁愛區作為基隆最早發展的商業與生活重心，街區內老店林立、世代傳承，它們的日常即是城市記憶的核心。本次特展以最完整的方式呈現計畫成果，包括 12 家老店的口述歷史、記憶徵集活動、專題講座、城市走讀與劇場導覽等內容。江義隆號、順利商店、隆成商行、東明中藥行、新裕益行、古今禮儀、元山銀樓、大華餅店、明朗布行、阿榮布攤、廣興堂青草店、成功皮鞋店等熟悉的名字，都將在展中化作真實又動人的故事篇章。多數店家擁有超過一甲子的歷史，有些更邁入百年，陪伴市民走過生活與時代的變遷，見證了港都文化的深沉底蘊。 展覽延續「庶民記憶採集」的精神，讓文化不再只是典藏在書本中，而是回到街道與人的生活現場。透過口述、影像紀錄與物件保存所累積的資料，讓城市故事得以活用、延續，成為凝聚在地情感的重要力量。 《一店一時代》以沉浸式策展方式再現仁愛區的庶民日常，展出文史資料與影像敘事，讓觀眾彷彿穿梭於昔日街景，感受店家創立的初衷、代代相傳的精神，以及在地居民記憶中的溫度，邀請所有市民朋友一起來仁愛圖書館，走進百年街區的生活故事，與港都的集體記憶再度相遇。

基隆故事館，作為訴說基隆故事的場所，以新的面貌重新開幕，此次常設展主題為「見證百年基隆」，以「基隆港」為核心主軸，帶領觀眾穿越百年歷史，一同探索基隆從「雞籠」到「基隆」的轉變，見證這座城市的興衰與繁榮。 本次展覽分為三大展區「漁撈港灣到海港市街」、「戰後復甦到繁華盛世」、「國際觀光到百年導航」。透過船艙廊道的展示手法，喚起不同年代旅人對基隆的第一印象；空拍影像及歷史地圖區則細膩呈現基隆百年來的城市發展脈絡。從1924年基隆從「街」升格為「市」，歷經太平洋戰爭時期（1941-1945）的軍事要港，到戰後的黃金歲月，完整記錄了基隆從在地到國際的蛻變歷程。將涵蓋1990年代至2024年，基隆依然作為臺灣北部的國際貿易大港，持續訴說著百年來的興衰起落。從1924年到2024年，基隆以港口城市的姿態，繼續流轉著未來的篇章，展現出其獨特的歷史與文化。